Rodrigo Puente

Norbert Duke es la mente detrás de este proyecto dark wave, autodenominado post-reguetón sadcore etherealwave. Cuando inició su carrera estaba inmerso en ritmos como folclor latinoaméricano y funk, pero cuando se mudó a la Ciudad de México en 2014 se renovó. De este proceso nació Forescast in Rome. Cuenta con dos EPs, Landscapes y uno homónimo, en ambos presenta piezas ambientales que inundan la atmósfera de oscuridad por medio de melodías minimalistas. En noviembre presentó “Safeword” en colaboración con Pablo Mendía de Minor Shadows.  ¿Cómo te sientiste de participar en el Festival Marvin?Muy emocionado. Me avisaron desde febrero pero no lo asimilé hasta que vi el cartel. Cuando me invitaron estaba envuelto en otros proyectos que no tenían que ver con la música, así que no entendí.¿Alguna vez asististe al festival?No, la verdad es que es mi primera experiencia como público y como talento, así que es doble mi emoción por formar parte de este festival.¿Cómo creaste Forecast in Rome?Llevaba un rato en el ambiente de la música, tenía distintos proyectos pero de géneros distintos, desde folclor latinoamericano hasta funk. Cuando me mudé a la CDMX fue como reinventarme musicalmente y así fue como nació Forecast in Rome a principios de 2014. Fue un poco visceral porque yo necesito hacer música para mantenerme despierto, pero con Forecast in Rome lo hice en serio.Como artista independiente, ¿de qué manera crees que festivales como Marvin ayuda a esta escena?Realmente es un festival

Parece que ayer fue que escuchamos por primera vez Velodrom, el primer disco de Dapuntobeat. Este año se presentan en el Festival Marvin. Platicamos con la banda sobre lo que escucharemos en el escenario en su próximo concierto.¿Cuándo tendremos nuevo material de Dapuntobeat?A finales de mayo por cuestiones técnicas, no depende de nosotros. La idea es volver a sacar el disco en vinil pero tarda mucho, así que primero sacaremos el cd y luego el vinil. Seguro para junio van a estar escuchando algo nuevo de Dapuntobeat. ¿Qué se siente ser “El padrino” de la sexta edición del Festival Marvin?Nosotros tocamos en la segunda edición y nos gustó mucho. El concierto fue en el Covadonga, el lugar estaba a tope y fue una hora bastante buena. Nos encanta festivalear y siempre que podemos lo hacemos. Nos ha tocado tocar temprano, tarde y noche. Lo que más nos gusta de los festivales es conocer nuevas bandas y ahí podemos ver lo que sucede en la escena musical del país y ver las nuevas tendencias. Eso es lo padre de este festival, que te encuentran buenas bandas y lo padre es apoyar y difundirlas, porque es donde te encuentras grandes sorpresas.¿Qué tipo de escenarios prefieren, grandes o más íntimos?Hay festivales que nos han marcado y pueden ser los grandes o los chicos, por ejemplo el anterior Festival Marvin nos marcó por la respuesta de la gente. No solamente es el tamaño del escenario ni del festival sino la conexión que tengas con el público. La banda si funciona, pues impacta. Se v

Una de las propuestas que más nos gusta del Festival Marvin es Dinosaurios Surf Club, una ola de guitarras rápidas y melancólícas que te harán llorar en la playa.  Platicamos con la banda sobre su presentación en la próxima edición  del Festival Marvin. ¿Qué se siente formar parte del Festival Marvin?De entrada la invitación se nos hizo como sorprendente, fue casi irreal. Nos sorprendió porque somos una banda que lleva poco tiempo y formar parte del festival fue muy increíble. Al momento de vernos en el cartel fue mucha emoción.Ustedes son los únicos representantes del género del surf, ¿qué se siente representar este género?Nos pareció doblemente sorprendente el anuncio de que estaríamos en el festival porque no suele haber grupos de surf. Lo padre que es que tienen muchas propuestas. Agradecemos que se fijen en géneros que son distintos. Somos una mezcla de garage y surf así que nuestra misión es poner a bailar a la gente.Suponemos que a partir del festival se aceleró su proceso de grabar un disco…Ya estábamos en planes de armar un nuevo EP pero sin duda, desde que nos llamaron, estamos en la grabación. Ya sacamos una canción nueva para el Marvin y posiblemente después comencemos de manera más formal a armar el nuevo material. ¿Qué banda del cartel les gustaría ver?Trillones, me parecen muy buenos; Nelson y los Filisteos, Los Master Plus traen toda la fiesta; Dapuntobeat también. Nos gusta también ver bandas que no conocemos para llevarnos buenas sorpresas.¿Han asistido al

Carla Sariñana, a quien seguro ubicas por ser bajista de Ruido Rosa, decidió buscar un sonido más personal y creó Silver Rose, un proyecto con tintes de shoegaze y pop que nos vuela la cabeza. Carla es vecina de la Roma y lo que más le gusta son sus parques. “¡Son increíbles! Es una colonia padrísima porque puedes caminar en sus plazas y jardines y lo mejor es que tiene un ambiente muy pacífico”, cuenta. “Me encanta porque hay tacos muy ricos, como los fish tacos Chico Julio. Además tienes todo muy cerca, no debes caminar muy lejos para ir a restaurantes de muy buena calidad”. Pero ¿cuál es la razón por la que vive en la Roma? “Por INDAUTOR. Siempre voy a registrar mis canciones, así que me queda muy cerca”, confiesa entre risas. “También por Lalo!, cuando probé la comida dije: ¡dios mío, qué delicia!”. Sobre su proceso de creación, nos explica: “En general las canciones que escojo para el proyecto son de esas en las que te puedes perder. Te provocan sonreír y olvidar todo lo feo, por más que el tema no sea el más bonito. Busco que las melodías logren envolver”. Silver Rose hará su debut este mes en el Festival Marvin, una gran oportunidad para presenciar la fuerza de su set.

La dosis de cine mexicano no podía faltar entre los estrenos de este fin de semana. La película que representa a las producciones nacionales es dirigida por Enrique Begné –su segundo estreno del año, la anterior fue Busco novio para mi mujer-, quien es también responsable del guión al lado de Ted Perkins y Arturo Ripstein. Nos referimos a Compadres, una cinta que convierte un lío de policías y ladrones en una comedia gracias a las diferencias de sus protagonistas: un hacker estadounidense, Vic (Joey Morgan), y un policía mexicano (Omar Chaparro). Ante el estreno, platicamos con su director y con el protagonista. ¿Cómo surge el proyecto Compadres? Enrique Begné: Es una iniciativa del Productor Francisco González, él es quien traía ganas de hacer una película de acción, una película en que nos arriesgamos a hacer un cine más hollywoodense, por llamarlo de alguna manera. Me invitó a participar, y a partir de ahí empezamos a trabajar. ¿Cómo fue hacer una película de acción nacional? ¿Tuvieron algunas complicaciones? EB: Fue un reto que asumimos con mucha claridad desde el guión. No fue que nos limitáramos a pensar que era lo que nos faltaba, pero si tuvimos muy claro sobre con qué materiales podíamos contar y con cuales no. Por eso decidimos trabajar mucho las peleas, tener muy claro todos como íbamos a filmar las balaceras, cuales iban a ser los momentos para detonarlas. Es una película que le da mucha prioridad al look, a la imagen. Nunca pretendió ser algo que no íbamos a pode

Platicamos con Denise y Joe, integrantes de Hello Sehorse!, acerca de su nuevo ep Entretanto, su primer material como banda independiente y los nuevos retos fuera de una disquera.Cuéntenos sobre Entretanto, ¿cómo nació?Denise: Las canciones nacen en un momento un poco raro de un proyecto fílmico que no se terminó de concretar. Nos quedamos con muchas piezas musicales, algunas canciones ya hechas y cuando pasan ese tipo de cosas al final depende de ti que esa obra se termine de concretar. Cuando dimos por terminado el proyecto decidimos que eso no nos iba a limitar, tenemos muy buenas canciones y queremos que la gente las escuche.Entonces de ahí parte la pregunta ¿qué vamos a hacer con estas canciones? Después de trabajar con muchos productores importantes aprendes lo necesario respecto a cómo se hace un disco, desde escribir una canción hasta grabarla y hacerlo bien.¿Por qué decidieron hacer la difusión de Entretanto por internet?Denise: Cuando pasó lo del proyecto fílmico nos vimos en la necesidad de salirnos de la disquera en la que estábamos por diferentes situaciones; sentimientos de la banda y cuestiones administrativas.En 2008 difundieron su Ep Hoy a las 8 por internet y ahora Entretanto, ¿siempre fue su idea difundir su trabajo por medio del internet o fue algo a lo que se adecuaron para tener un mayor impacto?Denise: Hello Seahorse! es una banda que nace y se desarrolla en el internet. Pertenecemos a la generación que se gestó en la web porque encontramos una herramie

Carlito Dalceggio se vale de colores explosivos y múltiples simbolismos para crear obras hipnóticas. Aunque ya hemos visto proyectos de él en la ciudad, como la instalación Templo de la Libertad, que se expuso en el MUJAM y la Plaza de Santo Domingo, Celaya Brothers Gallery presenta su primera exposición individual titulada I Do Not Scream For An Audience, I Shout At The Holy. ¿Qué significa ser un artista y cuáles son las responsabilidades que conlleva?Es entregar tu vida a la búsqueda de la libertad a partir de las ramas de estética. Los artistas son personas que viven fuera de este mundo y realmente capturan la energía y la juntan para descifrarla y la vuelven entendible para los humanos en la tierra. Un artista es un puente entre el mundo de los espíritus y el mundo de los vivos.Realmente siempre me sentí libre como artista y nunca sentí que tuve que editar mi mensaje, aún en mi visión más oscura, nunca me he censurado. Somos un conjunto de luz y obscuridad, vida y muerte en un mundo de ciclos. El artista tiene la responsabilidad de traer más vida en este ciclo.La responsabilidad que tenemos es la de traer magia al mundo, somos los últimos espíritus libres. En un universo con tantas reglas, somos los que provocamos en la gente otras sensaciones y les enseñamos otra parte del mundo que no están acostumbrados a ver.Cuéntanos sobre la exposición I Do Not Scream For An Audience, I Shout At The Holy.En noviembre del año pasado presenté en la Plaza de Santo Domingo la pieza Tem

Tal vez recuerdes a Adam Green por ser el vocalista de la extinta banda The Moldy Peaches. Hacer el soundtrack de Juno,no es la única incursión de Green en otras disciplinas. Desde hace algunos años, Adam ha organizado exposiciones de artes plásticas, con dibujos que distorsionan a personajes de la cultura pop, como al caristmático Pato Donald.Ahora regresa para mostrar otra faceta de su trabajo como artista plástico, en una muestra colectiva en la que comparte muros con Cisco Jiménez y Aurora Pellizzi. Platicamos con él sobre esta nueva aventura en la Ciudad de México. ¿Cómo surgió la idea la exposición Mutatis Mutandis?Hace dos años tuve la oportunidad de hacer una exhibición aquí en México, en colaboración con Alva Calymayor, se llamó Ronald Duck, y se integró de unos dibujos del Pato Donald pero con mi estilo. Teníamos ganas de hacer otra cosa juntos así que ella me contó de su proyecto sobre símbolos e iconos, que son cosas que me interesan porque es la forma como trabajo. Suelo tomar algunos símbolos y distorsiono o descompongo para crear nuevos dibujos.  Toda esta exposición, junto con mi nueva película Aladdin, son un ejemplo de hacer mucho con cosas muy sencillas.Alva se encontró con un pequeño pedazo de papel que tengo en mi estudio, que es un alfabeto de imágenes, y me dijo que quería esa idea como la principal de mi exposición. Eres músico, pintor y director de cine ¿existe alguna otra disciplina artística en la cual te gustaría explorar?Me encantaría hacer videoj

El Festival Corona Capital se destaca por traer jóvenes propuestas que cuentan con un enorme futuro en la escena musical internacional, es el caso de Benjamin Booker, quien rescata las raíces del blues y el rock y lo transforma en un sonido fresco. Corona Capital es uno de los festivales más importantes de México, ¿cómo te sientes de poder tocar, por primera vez, frente a tus fans mexicanos?He escuchado de la importancia del festival. Estoy muy emocionado por tocar en el festival. Me hubiera gustado ir antes a México, pero por fin tengo la oportunidad de hacerlo. A tus 26 años, ¿qué es lo que te inspira para poder crear música?No sé, tocar música con una banda y visitar varios lugares es una de las cosas que me motiva seguir tocando música. Tu primer álbum Benjamin Booker tiene mucha influencia del blues y el garage rock, ¿qué artistas te inspiraron?Son muchos. Crecí mucho con el post punk y usé muchas influencias del blues y el sonido de rock para mi primer trabajo. Quiero explorar en mi siguiente disco otros géneros. Por ejemplo, en esto momentos estoy escuchando mucha música africana. ¿Cómo te sientes el éxito de este material? Te ha dado la oportunidad de tocar en festivales por todo el mundo…Es raro que sucedan este tipo de cosas. Salir de tu casa para tocar y visitar lugares y que el público te siga. Es agradable ver que la gente llegue a tu shows y sepa tus canciones. Siempre me gustó la idea de viajar y gracias a esto lo he logrado. ¿Cómo es tu proceso creativo al esc

Toro y Moi es uno de los proyectos musicales que más nos emocionan de los últimos años. Luego de su debut en 2010, Chaz Bundick nos hizo enamorarnos de la pista de baile con éxitos como "Blessa" o "So Many Details".Fuimos testigos de su potente acto en vivo en Ceremonia y ahora vuelve para presentarnos su más reciente álbum What For?. Platicamos con Chaz sobre su triunfal regreso. ¿Cómo te sientes de volver a México?Ha pasado un rato desde que fuimos a México. La última vez el público fue increíble, así que estoy bastante emocionado por regresar. ¿Qué es lo que más te gustó de México y qué esperas del próximo concierto?Caminar por la ciudad. Espero pasarla bien en mi siguiente concierto, parece que va a ser divertido volver a tocar allá. Háblanos sobre tu último álbum What For?, ¿cómo fue el proceso para desarrollar este material? What For? es un trabajo que sale un poco de lo que acostumbraba hacer. Mucha gente me ha dicho que es un trabajo de más personas y lo siento de esa manera. En este disco utilicé ritmos de diferentes épocas para hacerlos funcionar a mi estilo. Siempre intento cambiar y crecer, en este trabajo lo conseguí. Eres un músico muy joven con una carrera muy exitosa, ¿existe algún logro que no hayas tenido aún pero que te gustaría alcanzar?No lo sé. Es complicado pensar en alguna meta así, pero sí me gustaría seguir con la música y crecer como persona. Aunque realmente prefiero no pensar en función de metas o logros, siento que eso no es bueno. No me interesa

¿Qué pasaría si Dios fuera de carne y hueso, y viviera en Bruselas? Con esa divertida premisa el director Jaco Van Dormael (Toto le héros, 1991) presenta a Ea, la hija de Dios, quien al ver que su padre rige al mundo con un código ético bastante cuestionable, decide sabotear su computadora y revelar la fecha de defunción de toda la gente en el mundo. Después de ello, Ea emprende una búsqueda para hallar en la Tierra a sus apóstoles y así crear un nuevo testamento. Dios, un ser malhumorado y sin escrúpulos, se ve obligado a ir en busca de su hija y resarcir todos los problemas que ha causado en su estancia en el mundo terrenal. La comedia logra entretener con esa hilarante idea y un guión que progresa de manera sencilla pero con un fin claro, el cual tiene una digna ejecución gracias a las actuaciones de todo los interpretes; desde la joven Pili Groyne, quien encarna a Ea, hasta la reconocida actriz Catherine Deneuve demuestran el sobresaliente trabajo de dirección actoral que realiza Van Dormael. Tanto las líneas como los actores, se esmeran en cada momento para sacarnos una carcajada con chistes que van de lo simple hasta un humor más elaborado y que invita a la reflexión. A pesar de todos sus elementos y momentos sobresalientes, por instantes la película tiene algunas situaciones que retrasan la historia de manera innecesaria –algunas escenas resultan gratuitas y repetitivas-, pero esto no le impide cumplir con su cometido de hacernos reír a carcajadas.

El tercer largometraje en la filmografía de Michel Franco (Después de Lucía, 2012) se presentó por primera vez durante la 11ª edición del Festival Internacional de Cine de Morelia, en 2013. Tres años después lo veremos en pantalla. Acompañado en la dirección por su hermana, Michel y Victoria Franco apuestan por la cámara fija y nos narran la historia de Mónica (Mónica del Carmen), una madre soltera dedicada al trabajo social que se enfrenta al dilema moral de aprovechar su profesión para sacar ventaja de un niño de la calle, y así impulsar a su hijo, quien padece de una enfermedad en los ojos. Es así que la cinta plantea dos temas muy crudos: el tráfico de órganos y las personas en situación de calle. Se nota la intención de los directores por desarrollar estos temas sociales de manera realista: al decidir combinar la ficción con el cine documental, al acercar la cámara a personas que realmente viven en dichas condiciones y contar con actores no profesionales. Por ello, el trabajo de investigación resultó importante para contruir la trama (de acuerdo con los directores, Victoria hizo trabajo de campo durante un año para convivir con niños de la calle); sin embargo, eso no se ve reflejado en la fluidez de la película, que se sienta acartonada y poco honesta. Las interpretaciones se perciben como sobrepuestas y esto impide que nos creamos los roles que aparecen en pantalla. El tema de la película daba para mucho más de lo que se nos presenta y, sin duda, nos deja con la idea de

Un retrato de la ciudad de Cali y la desigualdad que se vivía en los años setenta lo vemos desde la perspectiva de María del Carmen, protagonista de la nueva película de Carlos Moreno (El cártel de los sapos, 2011). En la historia, basada en la obra del célebre escritor colombiano Andres Caicedo, vemos a la joven de clase alta adentrarse a los bajos fondos de la urbe colombiana, incitada por la música que se escucha en esos lugares: la salsa y el merengue. A pesar de que la película intenta recrear fielmente al libro –incluso, por momentos, utiliza las palabras exactas de la obra-, ¡Qué viva la música! se vuelve tediosa y comienza a perder fuerza mientras los minutos transcurren. El monólogo que tiene el protagonista a lo largo del filme no tiene ritmo, por lo que se convierte en una narración pesada para el espectador. A pesar del trabajo sobresaliente en la estética del filme y que sabe resaltar a la música como personaje, las actuaciones que ofrece son irreales y nunca podemos hacer conexión con el papel central, interpretado por Paulina Dávila. Existen libros que son obras difíciles de adaptar a la pantalla grande y a la lista se suma esta obra de Caicedo. Lamentablemente la película se queda corta y nos muestra una visión bastante escueta sobre el retrato tan vasto que se plantea en el libro original. El resultado es una cinta que no logra engancharnos desde el principio, con un grandioso soundtrack pero un guion muy pobre como para cautivar a las audiencias.

Chucky (Chucky: el muñeco diabólico, 1988), Fats (Magic, 1978) y, en años recientes, Annabelle (Annabelle, 2014) son ejemplo de los tantos muñecos poseídos que han jugueteado con el cine; a la lista hay que sumar al inquieto Brahams, protagonista de El niño. Dirigida por William Brent Bell (Con el diablo adentro, 2012), la película narra la historia de Greta (Lauren Cohan), una joven con deseos de olvidar su pasado y que viaja a Inglaterra para instalarse en su nuevo trabajo como niñera de la familia Heelshire. Al llegar a la casa de sus nuevos jefes se percata de que el hijo de la familia, Brahms, es un juguete. Poco a poco, la escéptica Greta comienza a darse cuenta el pequeño Brahms esta vivo. Si lo que se muestra en pantalla es inquietante es porque la historia se forja en un ambiente bastante sombrío. Este elemento estético es, sin duda, la carta más fuerte de este filme. El trabajo que realiza el fotógrafo Daniel Pearl provoca una tensión constante, haciéndonos sentir solos en una casona vieja, como si fuéramos partícipes de la historia. Pese al trabajo visual, el filme no ofrece nada nuevo para el género. Las actuaciones caen constantemente en clichés y los personajes se vuelven completamente genéricos. Aunque tiene momentos prometedores, la película queda a deber a los amantes del cine de horror. Pronto nos olvidaremos del pequeño Brahms y su insípida historia terrorífica. No hay forma de que se convierta en la estrella de nuestras pesadillas.

El director chino Yuefeng Song debuta con un filme de animación que tiene como protagonista a Lambert, un joven e inexperto guerrero. Él y sus amigos emprenden un viaje para destruir la amenaza del Dragón Negro y salvar a su tierra, Alteria. En la travesía del joven guerrero vemos que se une a elfos y humanos, enemigos naturales en la tierra de Alteria, para frenar la amenaza que afrontan todos los seres de esta mágica tierra. La película, basada en el popular videojuego Dragon Nest, cuenta con una historia llena de emociones que disfrutarán, sobre todo, los más pequeños de la familia. Al tener un guión ágil y un argumento sólido, los personajes resultan entrañables y se logra conectar con cada uno de ellos. Además, el universo fantástico que se presenta en la pantalla es tan basto, que no sorprende que la segunda película de la serie ya este en producción. La animación es de una calidad sobresaliente y sorprende la hechura de desarrollo que tiene la película. Con bellos paisajes y una gran cantidad de criaturas mágicas, el mundo de Alteria atrapa por igual a menores y adultos desde el inicio de la película. El filme resulta una alternativa para llevar a los niños a ver una aventura épica y llena de emociones, para salir de las clásicas opciones que se presentan en la sala de cine. Sin duda, parece el inicio de una saga que nos llevará a explorar la mitología que existe en el mundo de Alteria.

La ópera prima del director colombiano Juan Rocha, La asunción de José, narra un momento en la vida del poeta José Asunción Silva, considerado uno de los primeros escritores de la corriente modernista. El artista se encuentra reescribiendo parte de su obra, la cual perdió durante un naufragio que tuvo de Venezuela a Bogotá. Su día a día consistía en intentar recordar cada escrito que se extravío para llenar las hojas en blanco. La película nos adentra en un viaje hacia las memorias del poeta, mostrándonos una desgarradora historia de soledad. La evolución paulatina que tiene el personaje, hasta su catastrófico final, nos hace ver el gran trabajo que tuvo que realizar el actor Víctor Siáñez para plasmar el sufrimiento y vacío que aquel trágico accidente le dejo a José Asunción hasta el final de su vida. Uno de los elementos más fuertes dentro de la película es el trabajo fotográfico que realizan Jorge Bolado y Martha Hernaiz, con el manejo del blanco y negro nos sitúan en un estado emocional melancólico que complementa de buena manera la historia del filme. Asímismo, a lo largo de la historia se nos muestran varios paisajes del pueblo de San Sebastián, en el estado de Jalisco, para asemejar la estética que tenia Bogotá a finales del siglo XIX. La asunción de José es un filme que sale de la narrativa a la que estamos acostumbrados y nos brinda una forma distinta de visualizar la vida de José Asunción. También ayuda a refrescar nuestra estética y narrativa cinematográfica, lo cu

En el corazón de la Escandón acaba de abrir un pequeño espacio dedicado al arte, que sobresale por su filosofía de autogestión. Aldo Iram Juárez, director y gestor del proyecto, explica que Progreso surge por la impetuosa necesidad de abrir un lugar en donde la idea de “hacer las cosas por sí mismo” sea el motor para romper barrera. El sitio que mide 15 metros cuadrados, no es únicamente una galería, también se organizan talleres, cursos y hasta ventas de libros. Inauguró curso de fotografía digital, impartido por miembros del Club Fotográfico de México. A pesar de que el lugar se enfoca primordialmente a la fotografía, se planea que dentro del lugar converjan distintas disciplinas artísticas y actividades manuales. Una de las ideas principales dentro de este proyecto es que los vecinos se apropien de este lugar y pueda convertirse en un referente dentro de la Escandón. La primera exposición titulada La Feria del Progreso consiste en una recopilación de fotos del propio Aldo Iram Juárez que nos muestran distintas escenas cotidianas de la ciudad.