Irene Calvo

Recorridos virtuales, vídeos didácticos o información sobre las piezas más relevantes son algunos de los recursos online que los museos madrileños ponen a nuestra disposición para esos momentos en los que el cuerpo nos pide un chute de la belleza que encierran entre sus paredes, pero el tiempo o la distancia no nos permiten salir de casa y acercanos hasta ella. Estos son nuestros museos de Madrid preferidos para recorrer de forma virtual.  RECOMENDADO: ¿Quieres descubrir más contenidos interactivos? ¡Descubre nuestra Time Out Pocket!

Con la llegada del otoño, los museos y espacios culturales presentan sus nuevas programaciones y Madrid se llena de interesantes propuestas como la exposición de Santiago Sierra en el Museo CA2M, la muestra que explora la obra escultórica de Matisse en la Fundación Canal o la que dedica el Museo del Prado al taller de Rubens. Temas, estilos y planteamientos para todos los públicos que acercan el arte y la cultura a través de diferentes formatos.  RECOMENDADO: Todas las exposiciones inmersivas que vas a encontrar en Madrid

A diferencia de otros museos nacionales, el Thyssen parte de una colección privada, la del barón Thyssen-Bornemisza. La familia Thyssen siempre tuvo interés por el arte y a principios del siglo XX, comenzaron a adquirir obras. El coleccionismo se mantuvo a lo largo de todo el siglo sin que se expusiera de forma permanente. En 1992, gracias a un acuerdo con el gobierno español, se inauguró la actual sede del Museo Thyssen-Bornemisza. Las obras del nuevo museo complementaban a las colecciones del Museo Reina Sofía y del Prado y así surgió el llamado “Triángulo del Arte”, compuesto por las tres instituciones, que se encuentran muy cerca las unas de las otras. RECOMENDADO: Los 10 cuadros que tienes ver si visitas el Museo Reina Sofía en Madrid

El arte contemporáneo es el protagonista del Museo Reina Sofía. Pinturas, esculturas, instalaciones, fotografías y otros soportes son conservados en este gran edificio, que se construyó en el siglo XVIII como hospital y que Jean Nouvel amplió en 2005.  El origen del museo se remonta al siglo XIX, cuando se reservó un ala del actual Museo de Arqueología para las pinturas posteriores a Goya. La colección fue aumentando y se trasladó primero a Ciudad Universitaria y, después, en 1986, se inauguró la sede actual. Su colección está centrada en las vanguardias españolas, pero también podemos encontrar artistas internacionales. RECOMENDADO: Las 10 obras del Museo del Prado que no te puedes perder

Velázquez, Goya, Tiziano… Solo los artistas más grandes formaban parte de las colecciones reales. En 1819 se fundó el Real Museo de Pintura y Escultura en el edificio diseñado por Juan de Villanueva, que mostraba y custodiaba las obras de arte que la monarquía española había adquirido a lo largo de los siglos. Con el paso del tiempo los fondos de la pinacoteca se fueron ampliando con otras colecciones de pintura, escultura y artes decorativas y pasó a denominarse Museo del Prado. En la actualidad en sus salas se exhiben más de mil obras. Entre todas estas obras, hay diez cuadros del Museo del Prado que son imprescindibles en cualquier visita a esta institución.  RECOMENDADO: Cuándo visitar gratis el Museo del Prado. 

PHotoESPAÑA celebra su 27ª edición con un cambio de rumbo en su dirección. Este es el primer año en el que la gestora cultural María Santoyo asume la dirección del festival de fotografía. Santoyo se ha propuesto varios y ambiciosos objetivos como conseguir diversificar las prácticas artísticas que se incluyen en el festival, conectar con nuevos públicos nacionales e internacionales y convertirse en un foro de debate abierto donde analizar el futuro de la fotografía. Este año el festival se celebra bajo el título 'Perpetuum mobile', en alusión a la constante evolución de la fotografía. Un concepto bastante amplio que da pie a diferentes reflexiones y campos temáticos. PHE se desarrollará entre el 10 de mayo y el 29 de septiembre y, como es habitual, consta de sección oficial, sedes invitadas y Festival Off en España y México. En España, Madrid acoge la mayoría de las muestras del festival y estas son algunas de las imprescindibles. RECOMENDADO: Las mejores exposiciones para ver ahora. 

Hoteles como el de Robert de Niro, restaurantes como el de Eneko Atxa y espectáculos como Luz Madrid o festivales como el Primavera Sound. A Madrid no le van a faltar planes este 2023, como tampoco exposiciones que ver. Este nuevo año tenemos dos protagonista indiscutibles de la escena cultural, Picasso y Sorolla. Y es que se conmemora el 50 aniversario del fallecimiento del artista malagueño y el centenario de la muerte del pintor valenciano. A las múltiples manifestaciones artísticas vinculadas a estas dos figuras se unen las muestras de otros autores, tanto nacionales como internacionales, de disciplinas que van desde la pintura a la escultura o la fotografía. Estas son las exposiciones imprescindibles del 2023. RECOMENDADO: Las exposiciones que puedes ver hoy en día en Madrid. 

“Muchas de ellas se han quedado en el camino y es necesario hacer una lectura más igualitaria de la historia de la fotografía”, dice Claude Bussac, directora de PhotoEspaña2021 que, en esta edición, presta especial atención a las pioneras de la fotografía. “Esto no quiere decir que dejemos de lado a los fotógrafos consagrados, simplemente es necesario hablar también de estas autoras”, explica Bussac. Este año el festival cuenta con Elvira Dyangani Ose como comisaria invitada, quien aporta una mirada panafricana con dos exposiciones colectivas, un ciclo de cine, un programa de performance y conversatorios. “Llevamos varias ediciones acercándonos a la fotografía africana y teníamos ganas de invitar a una comisaria que trabajara sobre esto. Elvira ha realizado una lectura social y una visión global y panafricana, que también incluye a afrodescendientes de cualquier continente”. PhotoEspaña se celebrará entre el 2 de junio y el 30 de septiembre y cuenta con varias secciones y sedes. Estas son las cinco muestras imprescindibles de la sección oficial. RECOMENDADO: Las mejores exposciones de Madrid. 

Las salas de exposiciones de Madrid  han programado una variada oferta artística para esta nueva temporada, que nos llevará a descubrir artistas silenciadas históricamente, a disfrutar de los movimientos de principios de siglo XX desde otros lugares, a cuestionar nuestra memoria colectiva o a disfrutar del humor absurdo, entre otros temas. Estas son las exposiciones imprescindibles de 2020. *Volveremos a retomar la agenda de exposiciones en cuanto se normalice la situación.

Septiembre coquetea con el otoño mientras la vuelta a la rutina se hace más evidente día a día. Pero todo es más fácil si podemos disfrutar del mejor arte en Madrid: desde la creación más contemporánea, pasando por clásicos de las vanguardias, hasta grandes referentes de la Historia del Arte. Las galerías arrancan fuerte la temporada, gracias a Apertura, en la que cuarenta y cuatro galerías inauguran simultáneamente; mientras que las salas y los museos han programado grandes y esperadas muestras. Estas son las expos que no debes perderte en las próximas semanas. NO TE PIERDAS: Los conciertos del mes

2019 promete ser un año intenso para el arte, del impresionismo a la fotografía ‘avant-garde’, entre la programación del bicentenario del Museo del Prado, las interesantes propuestas de las salas de la Comunidad de Madrid, los rompedores montajes del CA2M o las siempre didácticas y reveladoras retrospectivas del Museo Reina Sofía, entre muchas otras instituciones. Estas son las exposiciones que no os podéis perder perder este año. RECOMENDADO: Las mejores obras de teatro que nos trae el 2019.

Del 22 de junio al 8 de julio Son3k presenta en la Galería Independiente de Tabacalera 'Salmon Yourself 2', un proyecto que ha desarrollado en los últimos tres meses en colaboración con R.A.R.O. Madrid. Con una trayectoria en el arte urbano y el grafiti, el asturiano ha recorrido seis talleres, recogiendo los materiales desechados por otros artistas y reutilizándolos para crear nuevas obras. ¿Cómo te interesaste por el mundo del arte urbano?Primero tuve una libreta de bocetos, hasta que en 2005 o 2006 empecé a salir con mis amigos, que pintaban y comencé a hacerlo yo también; en lugar de jugar al fútbol o ir de fiesta, yo salía con una mochila llena de latas a investigar. Desde entonces busco espacios que no afecten al público, como fábricas abandonadas, descampados o muros sin utilidad.  ¿En qué momento comienzas a experimentar con materiales reutilizados?Cuando no tengo otro tipo de materiales [risas]. En Asturias, siendo miembro activo de la Asociación Paint Pression, no tenía problemas de pintura. Ahora que ya no estoy tan presente en sus actividades la situación ha cambiado, pero no mis ganas de pintar. Dadas las circunstancias, empecé a reutilizar botes de spray, los pisoteaba y estallaba para aprovechar la pintura. Después, cuando ya no me quedaba pintura, exploraba el entorno donde estaba –normalmente fábricas abandonadas– y me ponía a jugar con los elementos que encontraba: restos de tuberías, cajas… Me di cuenta de que las formas que lograba al manipular estos mater

Como la nebulosa OH 231.84 +4.22 o nebulosa de la calabaza, los irunmolé, espíritus de la religión yoruba, también habitan en el cielo. En esta intersección entre ciencia y tecnología y espiritualidad y decolonización se mueve la propuesta que la artista francesa Tabita Rezaire presenta en el Museo Thyssen de la mano de la fundación TBA21. En la muestra, la artista crea un espacio seguro donde conectar con una ancestralidad que nos guía hacia una conexión con la naturaleza mediante tres grandes piezas que ha producido este año. 'Omu Elu' es la primera obra que encontramos al entrar a la sala, a modo de introducción, y está dedicada a Yemoja, la madre orisha en la religión yoruba. Rezaire utiliza el índigo para teñir seis textiles con diferentes tonos de azul, que representan las diferentes facetas divinas de Yemoja. A continuación, nos adentramos en 'Des/astres': una gran cabaña que imita un 'cabet', un espacio de reunión típico de la Guayana Francesa, país donde reside Rezaire. Dentro nos podemos tumbar en una de las hamacas amerindias, cosidas a mano, para ver un vídeo que se proyecta en el techo. En él aparecen testimonios y entrevistas a científicos, investigadores y guardianes de la sabiduría ancestral, de manera que la ciencia y la espiritualidad se entremezclan para entender el cosmos desde múltiples puntos de vista. Una potente pieza que consigue conectar con el espectador y provocar una reflexión en torno a qué conocemos y de qué manera. Por último, 'OMI: Templo de Y

Joan Miró, María Blanchard, Eduardo Chillida o Cristina Iglesias son algunos de los nombres que podemos encontrar en esta propuesta de la Fundación María Cristina Masaveu Peterson que, además de poner en valor las colecciones de la familia Masaveu, subraya la importancia del coleccionismo para el arte español. La exposición se articula mediante secciones que conducen a los visitantes a distintos momentos históricos y artísticos. La selección de cien obras, entre pinturas y esculturas, proporcionan una interesante perspectiva del arte contemporáneo español y de las líneas de interés de la familia Masaveu a la hora de coleccionar. La muestra, comisariada por la profesora de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid María Dolores Jiménez-Blanco, se completa con un gabinete dedicado a la obra en papel en el que se mostrarán dibujos y fotografías que se renovarán periódicamente debido a motivos de conservación.

Conocido, sobre todo, por su gran producción pictórica, Henry Matisse también se sirvió de otras disciplinas a lo largo de su carrera, como la escultura, dibujo, collage y grabado. En esta muestra, la Fundación Canal ha querido prestar atención a una de las facetas más desconocidas del artista francés: la escultórica. La muestra ha reunido treinta y tres esculturas junto a dibujos, litografías, un lienzo y fotografías y documentos de la época que ayudarán a entender su proceso creativo. A través de esta propuesta conocemos a un Matisse interesado en el estudio de la figura humana a través de la escultura y sus posibilidades expresivas. Además, podemos observar cómo su representación del cuerpo humano evolucionó a nivel escultórico mediante la repetición -llegando a rozar lo obsesivo-, desde las formas más academicistas hasta una liberadora abstracción. Un inesperado recorrido por la producción del artista que nos acerca a su lado más personal e introspectivo.

Tras abandonar París en 1941, debido a la invasión nazi, Peggy Guggenheim abrió una novedosa galería en Nueva York, The Art of This Century Gallery. Además de ser mecenas, Peggy sentía interés por otros temas artísticos como, por ejemplo, el lugar que ocupaban las mujeres artistas en la abstracción o el surrealismo. Pensó que sería interesante reunir a las creadoras más relevantes del momento; una exposición con piezas solo de mujeres. Así surgió ‘Exhibition by 31 women’, una muestra en la que participaron artistas como Leonora Carrington, Meret Oppenheim o Dorothea Tanning. En ‘31 mujeres. Una exposición de Peggy Guggenheim’ se rinde homenaje a esta iniciativa desde los fondos de la colección privada ‘The 31 Women Collection’, que reúne obras de todas las artistas participantes en la muestra organizada por Guggenheim. La muestra acerca la producción de las artistas y proporciona información sobre la influencia que ejercieron en los movimientos a los que pertenecían y en generaciones posteriores.

Rubens fue uno de los pintores más afamados y prolíficos de su época. Gran parte de su éxito se debió al buen funcionamiento de su estudio, en el que el pintor organizaba a sus asistentes y aprendices para producir obras de la forma más provechosa posible, sin perder de vista su estilo y visión de la pintura. A menudo desconocidos para el gran público, los estudios de los pintores eran lugares clave para la creación y la educación. Esta exposición, compuesta por cerca de veinte cuadros, dibujos y grabados, muestra las diferentes formas de colaboración que se daban entre el pintor y sus ayudantes en el taller. La propuesta incluye una escenificación del taller del artista con caballetes, lienzos, pinturas, pinceles, brochas, paletas, tientos y otros materiales y objetos (algunos del siglo XVII y otros recreaciones), junto a libros, bustos y otras piezas que evocan los intereses e inspiraciones de Rubens, así como su afán coleccionista

Dice la artista que lleva toda la vida pintando el mismo cuadro. Varían, quizá, los materiales, los formatos o la gama cromática, pero, en esencia, es siempre el mismo cuadro. Y esta exposición se propone demostrar esta afirmación de Sevilla. La muestra no tiene un itinerario marcado, porque donde arranca también termina. Una propuesta circular que, a lo largo de diez salas, refuerza esa idea de que Soledad Sevilla persigue un mismo cuadro desde que comenzó a pintar. Tras dejar atrás una bella pero inadvertida instalación entre los edificios Sabatini y Nouvel, la muestra parte de sus primeras obras geométricas de finales de los 60, donde podemos ver algunas piezas procedentes del Centro de Cálculo de la Universidad Complutense, donde ya se atisban ritmos, tramas y variables, los pilares sobre los que se sustenta la producción artística de Sevilla. De los grandes lienzos con figuras geométricas de los 70 pasamos a algunas obras de los 80 donde la artista experimenta con el dibujo con gratos resultados, como la ‘Serie Keiko’, para después pasar a reinterpretar Las Meninas o la Alhambra a través de tramas que logran crear figuras y atmósferas de forma magistral, acercándose a la instalación y sin abandonar la abstracción. Llegamos a los 2000 con la serie ‘Insomnios’, cuyo montaje subraya la intensidad de las obras, en las que la artista cambia su pincelada y se acerca a las formas vegetales desde una paleta de rojos, negros y blancos. La naturaleza sigue presente en la instalaci

En un momento en el que nos habíamos acostumbrado a las imágenes digitales, y a usar nuestros dedos para verlas con detalle, Miguel Ángel Tornero apuesta por ofrecer una ‘corporalidad’ a la fotografía y nos invita a acercarnos de una manera física para conseguir ese efecto zoom. En ‘Las cosas (bodegón falaz)’ Tornero muestra el nuevo paso que ha dado en la investigación fotográfica que lleva a cabo desde hace años. En este proyecto, Tornero parte de algunas prácticas en torno a la imagen, como la fotogrametría o el escaneado 3D para llevar las fotografías digitales a un paradójico plano físico. La contradicción es uno de los puntos clave de la muestra: desde el collage como reivindicación de un hacer manual, pero amplificado gracias a máquinas industriales, hasta la búsqueda de una verdad a partir de imágenes manipuladas que evidencian su artificialidad; de ahí el apunte del título, ‘bodegón falaz’. En esta ocasión, las imágenes adquieren una nueva dimensión y pasan a convertirse en dioramas o instalaciones -casi pequeñas esculturas fotográficas- de mediano y gran formato, como la llamativa ‘Manojo’, que nos recibe al acceder a la sala, de cuatro metros de ancho, junto a algunos pequeños collages que juegan con la superposición, el relieve y el vacío. Para generar las imágenes con las que ha realizado los collages-bodegones, el artista ha recorrido y fotografiado Madrid. Tornero ha querido así reencontrarse con la capital y redescubrirla en lugares cotidianos, conocidos y hab

José Manuel Juan Soto ha viajado por toda España para seguir los rastros del Instituto Nacional de Colonización (INC), un organismo creado después de la Guerra Civil con el objetivo de transformar los terrenos del país y reactivar la agricultura. 
 El INC trabajó para convertir tierras de secano en nuevos regadíos. Bajo esta misión se construyeron grandes obras hidráulicas, presas, canales, acueductos, acequias… El nuevo paisaje colonizado se completaba con los asentamientos de los trabajadores y sus familias. Juan Soto ha querido poner en valor la arquitectura que caracterizó a estos núcleos urbanos, enmarcada en el racionalismo, un estilo internacional que caló fuertemente en la España de mediados del siglo XX, caracterizado por un lenguaje sencillo, a base de formas geométricas.
 El dramático blanco y negro que el autor ha utilizado para las imágenes aporta aún más unidad  Este racionalismo lleno de modernidad sirvió para construir los pequeños asentamientos que habitaban los nuevos colonos del INC. Las fotografías de Juan Soto aparecen dispuestas sobre una larga mesa en la Sala Mercadal del COAM, como si fuesen planos arquitectónicos que comprobar. El dramático blanco y negro que el autor ha utilizado para las imágenes aporta aún más unidad a los edificios fotografiados. En las sencillas cartelas, escritas a mano sobre la mesa, descubrimos el lugar, el año y el autor de los inmuebles: José Luis Fernández del Amo, Alejandro de la Sota o Carlos Arniches, entre otros nombre

La galería Elba Benítez cierra sus puertas durante el mes de agosto para disfrutar de un merecido descanso estival. Sin embargo, gracias al ciclo anual ‘/08/’, comisariado por Alejandro Cesarco, que tiene lugar durante el descanso veraniego del espacio, la galería ofrece a los visitantes una experiencia diferente con la proyección de tres obras del artista norteamericano Jack Pierson.
 Los vídeos de Pierson que podemos ver en 'Hollywood, Florida' fueron grabados en 1997, en una playa de la ciudad de Hollywood, en Florida. El artista solía reservar habitaciones para él y algunos amigos en un motel con vistas al mar. Pierson acababa de adquirir una cámara de vídeo digital y las posibilidades que ofrecía aquel nuevo aparato le llevaron a coquetear con la imagen en movimiento.
 Todas las piezas están grabadas desde la ventana del motel donde se alojaba el artista En la muestra podemos ver tres de estos vídeos que Pierson entendió como 'fotografías de duración más larga'. Todas las piezas están grabadas desde la ventana del motel donde se alojaba el artista y abusan del zoom, lo que proporciona una sensación de espionaje y voyerismo, acentuada aún más por la forma en que estos vídeos se exhiben. Al permanecer la galería cerrada, las piezas se pueden ver a través de las ventanas del espacio, que dan a un agradable patio interior. Convertidos en voyeurs, y viajeros en el tiempo a la vez, nos trasladamos hasta esa playa de Florida para observar a unos amigos que disfrutan de un mome

"Sólo allá en el interior del cielo/ Tú inventas tu palabra". Así comienza el poema que el monarca, poeta y arquitecto prehispánico Nezahualcóyotl escribió en el siglo XV. El título de esta colectiva toma como referencia estos versos para poner en valor perspectivas prehispánicas que, históricamente, han quedado ocultas tras las narrativas occidentales.
Las obras de los doce artistas que componen la muestra poseen una excelente calidad, aunque en algunos momentos se ve desplazada por un discurso curatorial un tanto difuso. Esto puede deberse a que algunas de las piezas son directas e impactantes, como el vídeo 'El Enjoyado' de Teresa Margolles, en el que una persona ataviada con joyas -realizadas con restos de tiroteos del crimen organizado en México- se pasea por los canales de Venecia, mientras tiene lugar la famosa Bienal de arte.
 También es necesario entender que las obras de esta exposición proceden de la colección privada de Lorena Pérez-Jácome y Javier Lumbreras, impulsores del centro de creación, investigación y exposición de arte contemporáneo Collegium, con lo que la selección curatorial procede de un marco acotado.
 Méndez juega con los límites entre lo real y la ficción para reflexionar sobre la construcción de la memoria colectiva Otra impactante pieza es la 'Biblioteca de anarquismo y anarquistas' de Juan Pablo Macías. Consiste en una serie de libros electrónicos sobre anarquismo descargados y encuadernados con tapas de lija para evidenciar la fricción entre l

La historia de Rosario de Velasco podría ser la historia de cualquier artista de aquella época. Nació en Madrid en 1904, comenzó a estudiar pintura con 15 años y poco después empezó a presentarse a concursos nacionales e internacionales en los que consiguió varios galardones: la pintura de Rosario destacaba y llamaba la atención; lo tenía todo para convertirse en una aclamada artista, sin embargo, ha sido necesaria esta exposición para recordarla y concederle el merecido lugar que ocupa en la Historia del Arte de nuestro país.
 Mediante una convocatoria en redes sociales, se consiguieron localizar varias piezas de la autora Aunque Rosario vendió, y mucho, no se realizó en su momento un registro de ventas, por lo que encontrar obras de la artista se convirtió en toda una aventura. Mediante una convocatoria en redes sociales, en la que se mostraba la original firma de la artista, se consiguieron localizar varias piezas de la autora en colecciones privadas que, junto a las pertenecientes a museos y colecciones públicas, forman la selección que podemos ver en el Museo Thyssen.
 La muestra se centra en la producción de la artista realizada entre los años 20 y 40, sus primeras etapas y más reconocidas, junto a una interesante selección de su trabajo como ilustradora. Un reducido pero significativo conjunto de obras que nos abre las puertas del universo de la artista con obras como 'Adán y Eva', 'Costurera dormida' o 'Lavanderas'. Una mirada amable a la vida cotidiana, en la que a

En un momento en el que la inteligencia artificial se va integrando en nuestro día a día y nuestra cotidianeidad se empieza a ver condicionada por algoritmos y tecnologías, la muestra 'Human fiction' en la galería The RYDER propone revisar los límites de lo humano desde la obra de tres artistas: Patricia Domínguez, Karlos Gil y Shezad Dawood.
 Es un montaje limpio y sencillo, sin embargo, cada pieza encierra en sí misma un pequeño universo de conceptos  Al acceder al espacio encontramos un montaje limpio y sencillo, sin embargo, muy pronto es fácil advertir que cada pieza encierra en sí misma un pequeño universo de conceptos que invitan a reflexionar sobre la porosidad de las fronteras entre máquinas y personas.
Las piezas de Patricia Domínguez exploran las relaciones reales y posibles entre animales, plantas, máquinas y humanos. Sus esculturas se adentran en una dimensión más espiritual, con un carácter sanador, mientras que en la emocionante pieza realizada durante su residencia en el Centro Europeo de Investigación Nuclear propone nuevas formas de relaciones entre los seres vivos.
 Karlos Gil se estrena como artista de la galería en esta muestra y lo hace con una serie de piezas que abordan la relación entre las máquinas y las personas. El film de ciencia ficción distópica 'Uncanny Valley', rodado en 2019, en Japón, narra con una impecable estética la búsqueda del doble humano de un androide. Por otro lado, los tapices de Gil, de la serie 'Stay Gold', cuestionan la humani