Esteban Hernández

Con siete LPs, Metric se ha consolidado como uno de los grupos más importantes de Canadá. Emily Haines, James Shaw y Joshua Winstead han logrado reinventarse continuamente, independientemente de su el enfoque son las guitarras o los sintetizadores. En 2018 publicaron Art of Doubt, un disco que vio al grupo regresar a sus orígenes y, en poco más de 50 minutos, logró recordarnos su gran talento como compositores y músicos. Previo a su concierto en El Plaza Condesa, platicamos con Emily Haines, vocalista de Metric sobre su más reciente material, su larga trayectoria y su nuevo proyecto en colaboración con Zoé. Has trabajado en la industria musical por más de 20 años. ¿Ha sido difícil estar en una industria principalmente de hombres? ¿Han mejorado o empeorado las cosas?Hay muchas mujeres alrededor de la industria de la música, pero en lugares en donde no pensarías que estarían. Solo puedo hablar de mi experiencia, pero he tenido suerte de estar con tres hombres feministas en Metric, por lo que nunca he sentido un desconecte entre mi experiencia y la suya, estamos en el mismo barco. Es muy emocionante ver a una nueva generación de mujeres que no aceptan cosas que mi generación no sabía que se podían cambiar. ¿Qué tipo de cosas crees que necesitan cambiar?Es importante reconocer que todos son individuos y que es más importante enfocarse en el trabajo de la persona y no en su género. Eso pediría. No entiendo por qué solo se comparan a mujeres con otras mujeres, yo tengo muchos más c

La australiana Courtney Barnett debutó en 2015 con Sometimes I Sit and Think, and Sometimes I Just Sit, LP con el que demostró que el rock no es exclusivo de un género, recordándonos el legado que nos dejaron Debbie Harry, Patti Smith y Chrissie Hynde. En 2016, el Corona Capital se lució cuando la anunció en su cartel. Quienes la vieron en el escenario entendieron que su talento sobrepasa el estudio de grabación. A tres años de su debut, la cantante presentó Tell Me How you Fell —uno de nuestros 50 discos favoritos de 2018—, el cuál presentará el 4 de marzo en El Plaza Condesa. Previo a su show, platicamos con ella para que nos contara sobre las mieles del éxito, las nuevas tecnologías en la industria musical y su nuevo disco. Llevas varios años tocando, pero tu éxito es reciente. ¿Sentiste que solamente era cuestión de tiempo?La verdad nunca pensé en eso, y ahora tampoco lo hago. Los demás lo hacen por mí. Gracias a la era digita, cualquiera puede hacer música. ¿Crees que esto ayuda o perjudica? Hay argumentos para ambos lados. Ahora muchísima gente puede publicar su música. Hacer, grabar e ir de gira con tu trabajo es muy caro; pero ahora, gracias al internet, tenemos mucha más libertad para hacerlo. Hay mucha gente haciendo música increíble, así que es algo bueno. Foto: Cortesía OCESA/Pooneh Ghana. Tu música parece tener un espíritu de confusión y procrastinación…Eso siempre ha formado parte de mí, es parte de mi personamidad callada. Trato de abrazarlo, de no

Como ya es tradición, nos gusta recopilar lo mejor del año y recordar los momentos que nos llenan el corazón. No sabemos si es parte del espíritu de Navidad y Año Nuevo, pero es claro que para todos, el cierre de ciclos es importante. Aunque esto parezca romántico, el ámbito musical no se queda atrás. Año con año recopilamos las mejores canciones, los mejores videos y por supuesto, los mejores discos que estrenaron en el mercado. Este 2018, algo que nos alegró fue ver que las listas de popularidad están comandadas por chicas, lo que habla de un pequeño cambio en la industria, como el debut de Kali Uchis que recibió excelentes comentarios. Por otro lado, el regreso de David Byrne y Beach House nos dejó con lágrimas de alegría en los ojos, pero hubo bastantes decepciones como Gorillaz y Jack White, que no han salido de su zona de confort, y Lykke Li, que se arriesgó con su nuevo disco —muy aplaudido—, pero nomás no logró entrar en las primeras posiciones. Después de una gran batalla en la redacción, nos dimos a la tarea de elegir los 50 mejores discos de 2018. Aunque algunos editores no estuvieron conformes con algunos discos —sí, te estamos hablando a ti Arctic Monkeys— llegamos a un acuerdo. Aquí el resultado. Recomendado: Los 20 mejores discos de 2017.

Deat Cab For Cutie se formó en 1997, en Bellingham, Washington. Su sonido los ha posicionado como una de las bandas más queridas del indie rock, demostrando que no es necesario seguir las tendencias musicales para mantenerse frescos y en los oídos de todos.Integrada por Ben Gibbard, Nick Harmer, Jason McGerr, Dave Depper y Zac Rae, se consagraron con discos como Transatlanticism (2003), Plans (2005) y Narrow Stairs (2008) y canciones como “I Will Follow You Into the Dark”, “Sould Meets Body” y “I Will Possess Your Heart”. Si bien la banda ya se ha presentado en México, su participación en el Corona Capital 2018 es la primera que tendrán en la Ciudad de México, así que buscamos a Nick Harmer —bajista de la banda— para que nos contara sobre su primer show en la ciudad y como han logrado mantenerse en la industria musical a pesar de no seguir ningún estilo.El año pasado cumplieron 20 años como banda y la industria musical han cambiado, ¿cómo ha sido su experiencia durante este tiempo?Es interesante porque lo mejor también es lo peor. Cuando empezamos a tocar ya existía el internet, pero no como lo conocemos ahora. Todo ha cambiado extremadamente rápido, hasta parece que 1997 fue hace muchísimo tiempo. Me encanta compartir nuestra música con tanta gente alrededor del mundo sin tener que esperar a que una disquera decida hacerlo, esas cosas me emocionan. El problema es que hay mucha música y eso hace que uno se presione de más. Cuando empezamos habían cosas que un músico no hacía,

En 2011, no hubo estación de radio que no tocara “Pumped Up Kicks”, canción con la que debutó Foster The People, banda de Los Ángeles formada por Mark Foster, Mark Pontius, Isom Innis y Sean Cimino. Su disco Torches no pasó desapercibido para la crítica mundial y se colocó en todas las listas de los mejores discos del 2011. Su indie rock pegajoso dejó con ganas a los fans y en 2014 presentaron Supermodel, disco producido por Paul Epworth —famoso por trabajar con Coldplay, Florence + The Machine y Paul McCartney—. Para 2017, lanzaron Sacred Hearts Club, un disco de 12 canciones —el cual presentaron con el sencillo “Doing It for the Money”—, el cual vendrán a promocionar el 29 de octubre en el Pepsi Center WTC. A propósito de esto, buscamos a su vocalista, Mark Doster, para que nos contara más sobre su regreso a la CDMX. ¿Cómo crees que tu trabajo como escritor de jingles te ayudó en tu carrera musical?Es chistoso, realmente solo trabajé en eso por nueve meses, antes de que la banda tuviera éxito, pero en ese tiempo aprendí mucho. Tenía que trabajar muy rápido, y fue la primera vez que lo hacia en un estudio decente. Aprendí a grabarme, a grabar todo tipo de bandas y de instrumentos, cosas que no sabía hacer. Me ayudó mucho como productor, trabajé en eso durante horas y crecí mucho. Me imagino que también te ayudó a acostumbrarte al estilo de vida de estar en un estudio por horas.Exacto. Ahí escribí mi primer disco, trabajábamos en comerciales todo el día, y cuando todos

Joseph Mount es la mente detrás de Metronomy, una banda de disco electrónico que desde 1999 hace bailar al mundo. Con discos como The English Riviera (2011) y Nights Out (2008) dieron el salto al mainstream, pero sus presentaciones en festivales como el Corona Capital, se aseguraron un lugar como uno de los mejores actos para ver en vivo. A dos años del lanzamiento de su más reciente LP, Summer 08, Metronomy regresa a México como parte del Solsticio Music Festival —el sábado 23 de junio—, junto a Orquesta 24 Cuadros, Catfish y De osos. A propósito de esto, platicamos con Joseph sobre su nuevo disco, sus presentaciones en México y las críticas que ha recibido. ¿Cuál es la diferencia más grande entre Summer 08 y sus otros discos?La diferencia más grande fue que no estuvimos de gira. Yo siempre escribo y grabo todos los discos, pero nunca imaginé presentar este en vivo, solo quería hacer un disco. Cuando comenzamos la gira, el disco se convirtió en algo completamente diferente. ¿Por qué no te imaginabas tocando en vivo?Estuvimos de gira con Love Letters bastante tiempo. Cuando terminamos tuve bastantes cosas que hacer, como pasar tiempo con mi familia e hijos. Todos necesitábamos un descanso de la gira, pero no quería dejar de lanzar música. Estar de gira es lo que más se disfruta de estar en una banda, pero también es lo más difícil, sobre todo por las relaciones que se quedan en casa. El año pasado dieron uno de los mejores shows del Corona Capital. ¿Qué

Dan Snaith comenzó su carrera en 2001 como Manitoba. Para 2005 cambió de nombre y se presentó como Caribou —nombre de una especie canadiense de reno— y se ganó una buena base de fans con Swim (2010) gracias a la rola “Odessa”, la cual escuchamos hasta el cansancio. Para 2012, Caribou visitó por primera vez en la CDMX para abrirle a Radiohead. Su show, aunque corto, fue uno de los más memorables. En 2014 presentaron Our Love, LP con el que no pisó ninguna ciudad de todo México. Cuando vimos el nombre de Caribou en el cartel de Ceremonia, no pudimos disimular alegría. Si bien el show no será lo mismo que en solitario, los veremos —que ya es ganancia—, por esta razón buscamos a Dan Sanaith para que nos contará sobre su presentación e próximo 7 de abril en el Foro Pegaso. La primera vez que vinieron a la CDMX fue en 2012 para abrir un concierto de Radiohead y no has regresado. Musicalmente han sucedido muchas cosas en tu carrera...Ese año lancé un álbum como Daphni, proyecto enfocado más a la electrónica. En 2014 lanzamos Our Love y estuvimos de gira por todos lados, pero el hecho no ir a México es un gran fracaso para mi. Siempre he querido regresar, pero nunca lo logré. Por fin estamos de vuelta. En 2017 estuvieron de gira por Sudamérica, ¿cómo te sentiste al tocar de nuevo con una banda?Llevamos muchos años juntos como Caribou. Siempre me ha gustado ser dj como en Daphni, pero me encanta compartir la música con otros; ser espontáneo y crear una fiesta. Lo central siempre será

"Estamos conectando a gente de diferentes culturas y haciendo que piensen diferente."  El dj y productor estadounidense Dillon Francis se ha hecho una trayectoría importante en el universo de la música electrónica a través del género moombahton, un derivado del house o el dance al combinarlo con reguetón. A la par, Miguel Ángel Durán, mejor conocido como Fuego, ha explorado los ritmos latinos que lleva en la sangre desde 2005, logrando un reconocimiento en la escena americana del reguetón. Tras lanzar "We The Funk", ambos músicos quieren romper las fronteras preconcebidas que tienen los oídos del mundo. No te pierdas su próxima aparición en Electric Daisy Carnival México.  ¿Cómo crees que tu presencia en redes sociales ayuda tu carrera?Dillon: Nunca he hecho algo tan loco o malo como otra gente, mis redes sociales siempre han sido chistosas y eso me ha ayudado mucho, le muestra a la gente que tengo personalidad y que amo lo que hago. ¿Cuál es el la idea falsa más grande sobre tu trabajo?Dillon: Conmigo tiene que ver con Instagram. Como es básicamente lo más interesante de mi vida, la gente no entiende que hay muchos sacrificios que uno tiene que hacer por la música, hacer las cosas bien, tener buenos sets; muchas veces no salgo y no veo a mis amigos. La gente piensa que mi vida es fiesta y locura sin parar, pero uno tiene que trabajar muy duro para ser exitoso. Fuego: Los fans de la música latina apenas empiezan a entender cómo funciona esto. Durante mucho tiempo la gente me

Ariel Marcus Rosenberg, mejor conocido como Ariel Pink, atiende al #LlamadoBahidorá para presentar Dedicated to Bobby James, su ultimo LP, en el cual cuenta la historia del cantante setentero Bobby James, a través de piezas bailables y ambientes oscuros. Previo a si show en Bahidorá, platicamos con Ariel sobre cómo cambió su vida cuando firmó con el sello Paw Track, el estílo de su música y lo que le gustaría hacer si no fuera músico.  Desde que comensaste a hacer música, ¿has tenido un objetivo?Realmente nunca tuve un objetivo, ni lo tengo ahora. Logré alcanzar cierto nivel de fama y eso está muy bien.  Se podría decir que tu carrera dio un giro enorme cuando firmaste con Paw Tracks, el sello de Animal Collective. Cuéntanos de tu experiencia.No fue la gran cosa. Querían publicar mi disco y dije que si. No pedí dinero ni nada, y el LP tuvo reseñas muy favorables. Me sorprendí mucho de haber atraído tanta atención. ¿Crees que tu música atrae debido a una extraña sensación de nostalgia?La verdad no sé por qué la gente decidió hacerme caso. Tal vez fue una cuestión de publicidad, de que me vendí bien. También influyó mucho que estuviera involucrado Animal Collective, coloreó las opiniones de la gente. Lo que sí es que estaba consciente de que algo le faltaba a la industria musical, definitivamente le di algo importante al mundo. La muerte de los medios tradicionales y el surgimiento de las plataformas digitales también ayudó mucho.  Hablando de tu nuevo disco, ¿qué te atrajo a l

Para los amantes de la música, enlistamos los mejores discos del año, los cuales representaron regresos de bandas como Slowdive, Björk y The xx, además de darnos sorpresas como el disco de solista de Harry Styles, sin olvidarnos de los mejores discos de bandas latinoaméricanas. Y para ti, ¿cuáles fueron los mejores discos del 2017? También te invitamos a que descubras los 10 mejores videos y las mejores canciones de 2017.

No sabemos por qué, pero la banda noruega KAKKMADDAFAKKA volvió loca a la Ciudad de México, donde tiene una buena base de fans. Su última visita fue en marzo de 2017 y sin decir agua va, presentaron Hus, su nuevo LP, por lo que anunciaron otra fecha en la CDMX. Para conocer más sobre su regreso en tan poco tiempo, platicamos con el guitarrista y vocalista, Axel Vindenes, sobre sus fans mexicanos, sus shows y su nueva manera de hacer grabar música. Los vimos en el Vive Latino de 2014 y después en el Foro Indie Rocks Los shows fueron  muy diferentes. ¿Su evolución en vivo ha sido consciente?Realmente seguimos el ritmo. Cuando nos aburrimos de algo encontramos otra cosa que hacer. Nuestros shows son el resultado de años y años de hacer eso y es lo que hace interesantes a los shows. Con cinco discos, han cubiertos una gran cantidad de temáticas y géneros. A pesar de esto, el público esperan temas como como “Forever Alone” y “Your Girl”. ¿Sienten la necesidad de dejar estos sencillos a un lado?Siempre tocamos los éxitos. Realmente te das cuenta cuando una canción tiene mucho éxito y entonces tienes que tocarla en todos los shows, así es esto. Hay muchas canciones que nuestros fans quieren oír y eso me hace muy feliz. Se enojan cuando no tocamos “Never Friends” o “Change”, tenemos muchas canciones buenas y estoy muy orgulloso de toda nuestra discografía. La verdad es que cuando hacemos una canción no pensamos en si va a ser exitosa o no. ¿A qué crees que se deba el amor de los mexi

Glass Animals es una banda que fusiona elementos acústicos con electrónicos, sin tirarle tanto ni al pop, ni al rock, sus discos Zaba y, el más reciente, How to be a Human Being nos recuerdan que todavía es posible hacer un álbum coherente. A propósito de su presentación en El Plaza, hablamos con Drew MacFarlane, guitarrista y tecladista de la banda, sobre su proceso de composición, la importancia de los discos y la transición del estudio a los shows en vivo. Parece ser que los LPs son muy importantes para ustedes. ¿Qué efectos crees que tiene la cultura de sencillos sobre la industria musical?Es muy interesante lo que esta cultura le ha hecho al tiempo de atención de las personas. Por la forma en la que usamos nuestros celulares, y distintas aplicaciones, la gente espera ser estimulada en un tiempo mucho menor. La cultura de los sencillos tiene mucho que ver con esto, y es muy importante crear algo que llame la atención durante 41 minutos o una hora. Como músico tienes que hacer algo que la gente quiera sentarse a escuchar, muchas veces no puedes decirlo todo en solo tres minutos. ¿Cómo logras que alguien escuche 12 canciones en vez de una?Es parte muy importante de hacer un disco. Nos importa mucho el hecho de crear un mundo coherente. No tiene que ser necesariamente una historia, pero funciona muy bien tener un tema recurrente o conexiones entre canciones. Mucho de esto ocurre de forma inconsciente, pero le da una sensación de que es una experiencia completa. Su sonido cam

Sam Smith venció a Tom Petty. Ganó cuatro Grammys y sus canciones suenan como si fuera 2014. Luego de su mágica presentación en el Corona Capital y el Auditorio Nacional,regresará triunfal a la CDMX, de nuevo al Palacio de los Deportes el 14 y 15 de septiembre, para presentar su nuevo disco, Gloria. Tras participar en el sencillo “Latch” del dúo de electrónica Disclosure, Sam Smith saltó a la fama en 2012. De un día a otro, el artista se convirtió en una sensación en el mundo, ganando una serie de premios y posicionando una gran cantidad de sencillos en el número uno. En 2014 fue nominado a seis Grammy’s y en 2014 ganó cuatro, lo que sería el climax de su carrera.  Es conocido también por coescribir “Writing’s On the Wall”, el tema de la película de James Bond, Spectre que le permitió obtener un Oscar y le dio un espacio para expresar su emoción por ser el primer hombre abiertamente gay en ganar el premio. En 2017, Smith lanzó The Thrill Of It All, disco que recibió críticas mixtas, pero los medios mainstream lo galardonaron efusivamente. Canciones como “Say It First” y “Midnight Train” sonaron continuamente a finales de ese año y junto con “Stay With Me” y “I’m Not the Only One”.En los últimos años, Sam Smith se declaró una persona no binaria y tomó esto como estandarte para crear las piezas de Gloria, su nuevo disco, el cual presentó con "Unholy", canción junto a Kim Petras y despues con el sencillo "I'm Not Here to Make Friends" junto a Calvin Harris y Jessie Reyez, por lo

El Foro Niza 40 es un bar íntimo. Su objetivo es darle un espacio a todos aquellos actos musicales que están iniciado y crear una experiencia agradable para que el público regrese. Con una ubicación ideal (muy cerca de la Glorieta de los Insurgentes), el Foro Niza 40 resulta un lugar para tomar una cerveza mientras de fondo suena un poco de rock, o para conocer bandas nuevas de la Ciudad de México.

A un costado del Palacio de los Deportes se encuentra un foro que, a pesar de ser relativamente pequeño y no tan conocido, ha recibido actos enormes como Rage Against the Machine en 1999, Placebo en 2001 y el festival Creamfields en 2004 y 2005, además de exposiciones y ferias. Este pabellón es un espacio lleno de vida. Después de una remodelación, se renombró Pabellón Oestey funciona como espacio para conciertos. Posé una enorme barra, estacionamiento, y un montón de lugar para saltar y gritar. Este foro tiene todo lo que uno necesitas para divertirte. El espacio fue inaugurado oficialmente con el concierto de Giorgio Moroder, y se han presentado bandas como Tove Lo y Lacuna Coil.

Next to the Palacio de los Deportes is a venue that, despite being relatively small and not so well known, has received huge acts such as Rage Against the Machine in 1999, Placebo in 2001 and the Creamfields festival in 2004 and 2005, as well as of exhibitions and fairs. This pavilion is truly full of life. After a remodeling, it was renamed Pabellón Cuervo and serves as a space for concerts. There’s a huge bar, parking lot, and lots of space to sing and dance. The space was officially opened with Giorgio Moroder's concert, and acts like Tove Lo and Lacuna Coil have also played here. This spot has everything you need to enjoy a great show.