Carlo Ferri

Con dirección artística de María Pagés y El Arbi El Harti, ha echado a andar este mes de febrero el nuevo Centro de Danza Matadero para convertirse en un proyecto abierto, plural, inclusivo y transversal dedicado a las artes del movimiento, con espacio para todas las danzas que se crean tanto en España como fuera de nuestro país. El proyecto toma la Nave 11, uno de los espacios escénicos más especiales de nuestra ciudad y en él vamos a poder disfrutar hasta que finalice esta temporada en junio, de dos docenas de espectáculos muy diversos de entre los que hemos destacado 7 propuestas que consideramos absolutamente imperdibles. Toma nota y prepárate para vibrar con la magia del cuerpo en movimiento. RECOMENDADO: Teatralia 2025: las mejores obras de teatro infantil

La edición número 29 del Festival Internacional de Artes Escénicas para todos los públicos, Teatralia, que propone 26 espectáculos para niños y niñas a partir de 6 meses de edad, se celebra del 7 al 30 de marzo en 35 teatros de Madrid y otros 23 municipios de la comunidad. Este año, la muestra, que vuelve a ser dirigida por Lola Lara, estará dedicada a la memoria de Luis Matilla, fallecido en noviembre del pasado año, un autor que renovó el lenguaje del teatro para niños y que como gestor alumbró en los años 80 del siglo XX las pioneras Semanas Internacionales de Teatro para Niños, antepasadas directas de Teatralia. Llegan montajes desde Francia, Italia, Suiza, Bélgica, Reino Unido, República Checa, Dinamarca, Canadá o México, y desde diversos puntos de la geografía española. Aquí os dejamos una selección con los indispensables. RECOMENDADO: Las obras de teatro más esperadas en Madrid en 2025 

El nuevo año llega cargado de buen teatro en Madrid y aquí te avanzamos once estrenos que deberías ir agendando para no quedarte sin entrada, más una cita muy mágica que alcanza ya nada menos que su decimoquinta edición: el Festival Internacional de Magia de Madrid. Tendremos grandes figuras internacionales como Toni Servillo y clásicos de nuestra escena, comedias y dramas, adaptaciones cinematográficas y teatro documental. Esta selección es el mejor botón de muestra de la buena salud y la ingente actividad que disfrutan los escenarios de la capital. ¡Ni un día de 2025 sin teatro! RECOMENDADO: Los grandes conciertos de Madrid en 2025. 

Existe una fuerte identificación entre la Navidad y la infancia, por lo que sea. Es tiempo de descanso, de vacaciones, de reuniones familiares, de viajes, de celebraciones, de regalos y de mantener viva la magia con los más pequeños de la casa, en unas fechas envueltas en las historias de los personajes que, al final de un año y al principio de otro, nos obsequian con todo aquello o con parte de lo que deseamos y nos impulsan a alimentar nuevas ilusiones. También la Navidad es un tiempo de ocio, desde las primeras pistas de hielo a la Cabalgata de Reyes Magos, y consumo, mucho consumo, y puestos a consumir, consumamos cultura. Los teatros se llenan de propuestas variadas donde encontramos historias protagonizadas por chicos y grandes, con mucha música, algo de cine, un poco de circo, bailes y canciones, títeres, cuentos clásicos, personajes históricos irrepetibles y sobre todo diversión. Estar con tus hijos e hijas, nietas o sobrinos en un patio de butacas y ver cómo les brillan los ojos de asombro e ilusión, es impagable. RECOMENDADO: Los mejores planes navideños para hacer con niños.

Es la gran cita anual con los grandes nombres internacionales del teatro, la música, la danza y el circo. El Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid cumple 42 ediciones en un año muy especial, con la que fue su primera directora al frente, Pilar de Yzaguirre, que en 1984 puso la primera piedra de este certamen gracias al que han aterrizado en la capital los artistas que han escrito la historia de la creación escénica. "Una referencia cultural de nuevas tendencias y con influencia en todos los continentes", en palabras de Yzaguirre, que este año tan festivo presenta un cartel muy sugerente en busca de ese público madrileño interesado y preparado, deseoso de volver a ver las obras de Robert Lepage o de Wajdi Mouawad, pero también ansioso por descubrir nombres nuevos como Sarah Vanhee o Nat Randall. Aquí os dejamos una selección con lo mejor del festival 2024.  RECOMENDADO: Las obras de teatro que no te puedes perder en Madrid. 

Si estás por Madrid en verano, puedes ir a refrescarte los pies con los chorritos de agua en los parques o puedes ir a refrescar cerebro y corazón sentado en la butaca de un teatro, donde además hay aire acondicionado. La actividad escénica baja un poco el ritmo estos meses en la capital, pero ni mucho menos se acaba el teatro. Aquí te traemos unas cuantas opciones para los días de calor y las noches de amor efímero, con clásicos y modernos, zarzuelas y lo más rompedor del off, además de pasar por la gran cita estival de los Veranos de la Villa o dar un salto a la sierra en busca de otras sensaciones. ¡Hay de todo! RECOMENDADO: Los cines de verano imprescindibles de Madrid.

La primavera en Madrid siempre es sinónimo de movimiento. Los cuerpos salen de sus madrigueras invernales con ganas de reencontrarse con el sol, las calles, los parques floridos, las terrazas y los teatros, donde en estos meses encontramos un buen puñado de propuestas de danza para los amantes de esta disciplina escénica siempre en continua evolución. Con epicentro en los Teatros del Canal –que será sede principal entre mayo y junio de la edición número 39 del Festival Madrid en Danza de la Comunidad de Madrid– y Matadero Madrid –por la celebración de Danzadero, un nuevo festival para celebrar el Día Internacional de la Danza el 29 de abril–, se despliegan las artes del movimiento en las programaciones, donde encontramos danza clásica, contemporánea, española, flamenco o sugerentes propuestas híbridas bajo el amplio marco de las artes vivas. Prepárense para dejarse llevar, dejarse sentir y dejarse emocionar. RECOMENDADO: Las obras de teatro que no te puedes perder. 

Lola Blasco ha tomado la sala Princesa del Teatro María Guerrero y la ha convertido en 'El teatro de las locas'. Así se llama una obra que interviene el espacio tanto como percute en nuestras mentes a través de un discurso coral que habla de locura, teatro dentro del teatro, del lugar de la mujer como objeto, de las luchas sofocadas, de las cobardías admitidas, de las cóleras reprimidas y de tantas otras cosas. Blasco explica cómo estando confinada durante los meses de pandemia, se topó con ese otro encierro que sufrían las mujeres diagnosticadas como histéricas en el infame hospital de La Salpêtriere de París, donde un médico célebre de la época, Jean Martin Charcot, las exponía como monos de feria para explicar sus teorías, recurriendo a personajes de Shakespeare. Por allí pasó Freud y desde ahí empezó a trazar los fundamentos de lo que luego se conoció como psicoanálisis. Mucha gente aprovechó el confinamiento para imaginar, para escribir, para crear. ¿Fue tu caso con esta obra? Qué va, yo tuve una experiencia muy traumática, porque me encerraron en un hospital de Santiago de Compostela, donde estaba ensayando con la compañía Voadora mi obra 'Siglo mío, bestia mía', incluso antes de que se decretara el confinamiento total. Vinieron dos señores vestidos de astronauta y me llevaron con lo puesto, todavía no se sabía nada sobre el virus. Luego me decían que escribiera sobre aquello, pero yo no podía escribir nada, yo no sabía si podría volver a Madrid, si volvería a ver a mi

En tiempos de pantallas e inteligencia artificial, se hace más patente la importancia para la educación social de nuestros pequeños de un deporte jugado en equipo o de un ritual eterno como es el teatro. Pocos lugares para reconectar con la vida real como un teatro, donde los niños y las niñas, "expertos en moverse por el universo virtual", como señala la directora de Teatralia, Lola Lara, pueden entregarse al "juego simbólico, el que pone al niño a representar, en la interacción lúdica con sus iguales, roles que observa en adultos o animales". Sensibilidad, cuerpo, juego, marionetas, danza, circo y teatro, ingredientes una vez más de un festival que la Comunidad de Madrid organiza desde hace 28 años. En esta edición, entre el 1 y el 24 de marzo, 40 espacios de toda la región acogen 24 espectáculos que llegan de 13 países y 6 autonomías españolas. Un fiesta pensada para el público del futuro que ya es presente, de la que destacamos estos montajes imprescindibles. Aunque imprescindibles, la verdad, son todos. RECOMENDADO: Todas las obras de la cartelera teatral madrileña. 

Alberto Cortés va cociendo sus obras a fuego lento y en el proceso, a veces, abre las puertas y deja que la gente mire lo que está haciendo. Esta pieza, 'One night at the golden bar', hermanada con otra suya, 'El Ardor', lleva dos años armándose y su germen se dejó ver ya en Réplika Teatro. Para el artista malagueño es importante, porque es en ese dejarse mirar como va entendiéndose a sí mismo y su trabajo, no le importa si la obra todavía se está haciendo. Con la mirada externa termina de afilar, pulir, limar; piensa y repiensa lo que hace y cómo lo hace. También esto forma parte de su afán por usar lo frágil como herramienta de trabajo. 'One night at the golden bar', dice él, es "la experiencia de vulnerabilizarme para encontrar la belleza que aparece en la declaración de amor cursi, afectada, desfasada y queer. Quería encontrar un canto que ponga en evidencia la fragilidad de los afectos desde la mirada marica". Y mientras, ya trabaja en un próximo montaje, buceando en el Romanticismo del siglo XVIII… De alguna manera, estás dando forma a una especie de romanticismo marica a partir de ese Romanticismo histórico. Es como tu poesía, donde al fin y al cabo, hay algo muy elevado pero al mismo tiempo muy terrenal. ¿Cómo es la convivencia entre esos dos planos?Lo marica aparece porque es inevitable. Y los dos planos tienen que estar ahí porque me definen bien, no estoy nunca ni muy en el cielo ni muy en la tierra, y ese lugar en el que juegas entre los dos parámetros es lo que s

La Muestra de Creación Escénica Surge Madrid alcanza su décima edición apostando por las salas de pequeño formato, lugares íntimos y cercanos donde disfrutar el arte escénico en todas sus expresiones a escasos metros. Obras de diversos estilos y géneros que reflejan debates sociales actuales como la inmigración, el feminismo, la memoria o los efectos de la pandemia a través del teatro, la danza, la música o la performance. Hemos seleccionado 11 montajes, sin dejar de lado dos apartados especiales de su programación: las ya tradicionales propuestas Transversas, y la novedosa Conexión México, que estrecha los lazos de este festival con la escena latinoamericana. RECOMENDADO: Las obras de teatro de la cartelera madrileña que no te puedes perder. 

Una familia se reúne para pasar junta el duelo por la matriarca. Una situación plena de teatralidad. Basta una autora tan precisa como Lucía Carballal para que tal situación coja un vuelo inusitado y nos haga vivir una experiencia escénica inolvidable. Carballal se supera con cada nueva obra desde que además decidió tomar las riendas de la dirección de las que escribe. Se aventuró en 'Los pálidos', su primera puesta en escena, y ya dejó un gran sabor de boca. Luego alcanzó la excelencia en 'La fortaleza' y ahora con 'Los nuestros' se consolida, asumiendo un trabajo de dirección que no ensombrece ningún otro elemento, siempre al servicio de la historia, siempre dando un jugoso espacio para que los actores yactrices se luzcan, siempre envolviéndolo todo con una estética llena de poesía visual. 'Los nuestros' expone claramente una reflexión sobre la institución familia, algo que en nuestra cultura cuesta poner en entredicho, a pesar de que la vida se empeña en dinamitar una y otra vez un concepto que se resiste a ser derribado. La familia como tema está ahí desde los albores de la literatura y del arte. El nacimiento de este teatro que practicamos aún hoy hunde su origen en historias de familias contadas por los grandes autores greco-latinos y en Shakespeare, por ejemplo, es una cuestión nuclear. Es el mayor nido de conflicto y donde se exacerban todas las emociones, del signo que sean. Aquí, además, se le suman aditivos igualmente atractivos, como el sentimiento religioso (es u

Situación clásica de partida, el abc de la comedia: reunión de los personajes en torno a un tema muy importante que suelta uno de ellos y a ver cómo reaccionan los demás. Ventaja: el público sabe desde el minuto uno lo que los personajes no saben, y eso genera una atención extra en los primeros 40 minutos de función, que son los que aprovechan autora y director para presentarnos a cada uno de los cuatro hombres protagonistas, los cuatro amigos de toda la vida, el núcleo fuerte de la fratría. Incluso hay un quinto amigo ausente (vaya), del que sabemos que es gay y con el que parece que el protagonista, por lo que sea, tiene más confianza, porque este ya sabe lo que los otros tres todavía no. Cuatro hombres, pues, en escena que, pese a estar bien construidos y matizados, representan cuatro gradaciones distintas de lo masculino, desde el troglodita (se sale Jorge Kent) que luego resulta tener más sentido común que otros, aunque se exprese toscamente y no cierre las piernas nunca, hasta el que, pasado de intelectualidad, expresa mayor emocionalidad (César Camino, cuyo personaje -oh, dios mío- tiene amigas con las que queda para charlar, sin pensar en sexo cada medio minuto), dejando en medio a un hombre más indefinido, bastante centrado en sí mismo pero camuflando carencias bajo una eterna capa de cachondeo (Paco Déniz, estupendo, como siempre) y el anfitrión de esta cena, el hombre enamorado y dispuesto a dar el paso, consciente y comprometidamente, de ser padre (Antonio Hortela

Pasa la vida… cantaban los Pata Negra, “pasa la vida, igual que pasa la corriente cuando el río busca el mar, y yo camino indiferente donde me quieran llevar”. Hay algo en esta obra de habitar ese ritmo imperturbable de los segundos, minutos y horas que nunca se detiene, siempre hacia delante. Hay algo de darle la espalda a todo porque todo parece superfluo e insignificante. De hecho, literalmente, los tres personajes se sientan y a sus espaldas parecen estar ocurriendo cosas sin parar. Ellos lo cuentan, lo relatan mirando a los ojos del público, como obligados por la convención narrativa y teatral que dicta que hay que contar una historia cuando un grupo de personas ha comprado una entrada para sentarse en una butaca y mirar a otras personas en un escenario. Sí, están pasando cosas por ahí detrás, hay una casa, una casa muy grande, una familia tan grande como la casa, ávida por rentabilizar y monetizar la posesión, la propiedad, y llegan otras familias, grupos de amigos, turistas, bodas, competiciones deportivas, rodajes de películas… todo eso ocurre por ahí detrás, pero a los tres protagonistas de 'A la fresca' poco les importa. Ellos tres están relacionados con la casa, porque una es Matilde, la cocinera (Israel Frías), otro un albañil llamado Manolo Caracol (Alberto Berzal), que está construyéndole una cabaña en un claro del bosque que rodea la casa a Eusebio (Luis Rallo), escritor que ha vuelto a la casa de la familia tras 20 años sin pisarla. Tres almas perdidas que enc

Premio Nacional de Danza en 2017, Kukai Dantza es una compañía guipuzcoana que ha aportado, sin duda, una búsqueda genuina y un trabajo preciso y cuidado. Una gran demostración es este espectáculo total, 'Txalaparta', donde los sonidos del ancestral instrumento vasco dan pie a un diálogo con baile y voz en un espacio de fusión sin límites. Para este trabajo, Jon Maya Sein, alma mater de Kukai, ha contado con la colaboración dramatúrgica de Jesús Rubio Gamo (inolvidable su 'Gran bolero') en esta multiplicación de potencias, donde la txalaparta suena a partir de los golpes que le dan los percutores, pero cuyo sonido viaja luego inasible, de una naturaleza que desafía la fijación. Es un golpe liberador y luego es el cuerpo el que intenta vibrar en la misma onda. “Un espectáculo de muchísima fuerza, dinámico -en palabras de Jon Maya-, que nace de un proceso de trabajo súper intenso, una pieza que resume muy bien la forma que tenemos de entender el mundo y de mostrar cómo lo bailamos”.

Destacamos la primera de las cuatro obras que se programan del coreógrafo y bailarín canario Dani Abreu, Premio Nacional de Danza en 2014, figura ya fundamental de nuestra danza contemporánea, a quien el Centro de Danza Matadero pone el foco durante cuatro días. La desnudez es una propuesta poética sobre el saber quererse, es un acto de muerte, como la exhalación; es sacarlo todo para que empiece algo nuevo y al mismo tiempo construir con la ilusión de que esto era lo definitivo. En los días sucesivos se podrán ver también 'El hijo' (20 de marzo), una obra sobre la descendencia, sobre el vínculo con los progenitores; 'VAV' (21 de marzo), un título que toma la sexta letra del alfabeto hebreo para evocar su simbología, lo que une, lo que mantiene todo unido, un anzuelo, el enlace, la conjunción de cielo y tierra, hombre y espíritu; y, finalmente, 'Es aquí' (22 de marzo), una creación a partir de pensar sobre el valor de la pertenencia, de reflexionar sobre el lugar que habitamos. Una semana perfecta para entrar y dejarse seducir por el particular universo dancístico de Dani Abreu.

Zéfiro es el dios del viento del oeste, el de aliento dulce, dice la mitología griega. Y objeto y motivo de este espectáculo de Käfig y Merzouki, compañía y coreógrafo unidos desde hace casi 30 años en la investigación a partir del hip-hop y el diálogo con otras disciplinas y otros estilos, desde el circo a las artes marciales, desde las artes plásticas a la música en vivo. 'Zéphyr' es una creación de 2021 donde se trabaja sobre la idea de ligereza. En palabras del propio Merzouki, se trata de “dar forma a lo que por definición no la tiene, esculpir a través del viento allí donde lo inefable no puede ser contado, transformar lo intangible en materia tangible a través de la danza, convertir el aire en una sustancia domesticable”. Esta traslación del elemento natural al escenario, con la idea de darle vida a través del movimiento (porque solo en movimiento existe el viento), busca un nuevo enfoque y exige un alto nivel de los bailarines. Y además es una pieza vinculada a la conocida como 'Everest de los mares', la regata Vendée Globe, o sea, una auténtica batalla contra el viento.

Habéis leído bien, sí, cien años de la compañía, mitiquísima, de Martha Graham (Pittsburg, 1894-Nueva York, 1991). Por poner un poco de contexto, Martha Graham supuso para la danza lo que Picasso para la pintura o Stravinsky para la música, la vanguardia, la renovación de la danza hacia lo que hoy conocemos como danza contemporánea, la que rompe con el ballet clásico e inaugura una nueva forma de moverse en los escenarios. En esta celebración, la compañía está girando con la revisión de los clásicos de la propia Graham junto a nuevas piezas coreografiadas por dos de los creadores más importantes de la actualidad: Hofesh Shechter y Jamar Roberts. La representación en la Nave 11 de Matadero se abrirá con la obra más lírica y apasionada de Graham, 'Diversion of Angels', de 1948, sobre los aspectos universales del amor. Luego viene un solo, 'Inmediate tragedy', creado por Graham en 1937 precisamente como reacción a nuestra Guerra Civil, para pasar a 'We the people', de Jamar Roberts, y 'CAVE', una catarsis de Hofesh Shechter que cerrará el espectáculo.

No podíamos dejar de destacar y recomendar una muestra del mejor flamenco que se factura hoy en nuestra país, en la piel de una figura consagrada pero siempre en busca de la renovación de su lenguaje: Eva Yerbabuena. Empezó muy joven, hace casi 40 años con la compañía de Rafael Aguilar y en 2001 recibió uno de los tantos premios que tiene, el Nacional de Danza. Este 'Oscuro brillante' es su espectáculo más reciente, donde recurre de nuevo a la dualidad como forma expresiva y reflexiva, una búsqueda que viene de lejos. Bailaora y coreógrafa se miran frente a frente con la seguridad de que nada existe en estado puro ni tampoco en absoluta quietud. “Para poder contestarme a mí misma y ayudarme a entender este sosiego, necesito cubrirme con todas las membranas que ayudan a unir y separar, igual que un tercer ojo, para unificar la creatividad y mantener el pábilo encendido hacia puntos opuestos diferentes”, dice la propia creadora. Con el acompañamiento musical de su compañero de vida, Paco Jarana, la pieza se divide en cuatro partes en busca de una transformación continua.

Otra de las compañías fundamentales de la danza contemporánea catalana y española, Premio Nacional de Danza en 2008, comandada desde su fundación en 1989 por María Muñoz y Pep Ramis, no podía faltar en esta primera temporada del Centro de Danza Matadero. Llegan con su último trabajo, 'We, nosotros y los tiempos', tras su estreno en el Mercat de les Flors de Barcelona. Se trata de una pieza que se ha ido cociendo a fuego lento durante el pasado año a partir de una investigación sobre el lenguaje del grupo y el individual de cada intérprete. El individualismo está más enraizado que nunca antropológicamente y la idea de pertenencia y legado está en crisis cuando pensamos si lo que dejamos sobre el mundo es de uno para uno o todavía conserva algo de comunitario. Muchas preguntas y respuestas que han ido llegando a base de probar textos y movimientos, generados desde diferentes cuerpos, edades y visiones sobre la vida. La transmisión de la experiencia y el camino de retirada que inaugura también sostienen el armazón de esta pieza que cuenta con 12 intérpretes en escena.

Nacido en Nimes en 1971, Rachid Ouramdane es una de las figuras fundamentales de la danza contemporánea francesa, unido a espacios emblemáticos como el Théâtre de la Ville de París o a otros artistas tan importantes como Yoann Bourgeois en el Centro Coreográfico Nacional de Grenoble. En su estilo siempre ocupan un lugar destacado tanto su linaje identitario como lo multimedia, en una investigación constante en la que se ha rodeado de creadores de otras disciplinas como el videoarte, la música y el cine. En esta colaboración con el Chaillot Théâtre National de la Dance, el coreógrafo y los diez  intérpretes en escena nos sumergen en una exploración de gestos aéreos a través de diversos estilos y técnicas. Una intersección entre danza y espectáculo aéreo que se desarrolla en un escenario desnudo donde el trabajo de iluminación cobra un especial protagonismo, ya que es la luz la que a veces delinea los espacios, o las nieblas que cubren la escena el soporte para imágenes proyectadas sobre las que se baila, fantasmas que acompañan la vida entre la infancia y la vejez.

Las Baleares se están convirtiendo poco a poco en un foco de creación circense muy interesante. Guillem Vizcaíno trabaja allí desde hace un lustro en busca de un lenguaje nuevo y propio con D’es Tro. Gran malabarista y manipulador de objetos, Vizcaíno presenta este originalísimo espectáculo en el que fusiona las artes del circo con el trabajo en torno a un único elemento: la peonza. Juguete ancestral presente en muchas culturas del mundo, nunca lo habremos visto tan asombrosamente jugado, en diversas formas y tamaños, como en este montaje. Utiliza casi 50 peonzas diferentes que él mismo ha diseñado y construido artesanalmente. Se podría decir que 'Poi' es una coreografía de peonzas en la que Guillem también baila con ellas. La pieza y sus elementos escenográficos, simples y naturales (palos, ramas, cuerdas, paja, tela de arpillera), nos remiten al mundo rural y a las raíces de la cultura mediterránea. Un juguete en vías de extinción capaz de detener el tiempo y aislarnos por un momento del frenesí de la vida contemporánea.

Aracaladanza es referente absoluto en los espectáculos de danza para toda la familia, caracterizados siempre por una cuidadísima puesta en escena que ya es un estilo reconocible, el de su director Enrique Cabrera, que no sería nada sin el trabajo de vestuario y escenografía de Elisa Sanz, que tantos premios ha merecido. Los trabajos de Aracaladanza son ya conocidos en todo el mundo y con 'Va de Bach' consiguen de nuevo que asistamos con delicia a una obra que se te pasa en un abrir y cerrar de ojos, y que deja un impacto estético inigualable. Lo que querían aquí era no tanto coreografiar la música del mítico compositor, sino “bucear en un universo creativo que permita imaginar libremente a quien abra los ojos y afine los oídos”, según las palabras de Cabrera. Lo sonoro y lo visual se unen y se retroalimentan. No hay necesidad de contar una historia, sino más bien el deseo de encender la llama del disfrute. La libertad creativa de la música de Bach planea por toda la obra, que además de rendir homenaje al músico barroco, reivindica la imaginación de la que hizo gala en su obra.

Dos actrices españolas venidas a menos comparten camerino en un teatro de Miami. La una con maneras de diva, la otra una superviviente con ínfulas. Así arranca 'Estrelladas', la nueva comedia de Antonia Moreno, que está llamada a ser una de las fábricas de carcajadas más productivas de este verano en Madrid. Charlamos con sus directoras y protagonistas, Ana Belén Beas y Goizalde Núñez, antes de que desembarquen en el Teatro Lara para estrenar en España una obra que ya se ha visto, precisamente, en Miami. Vienes de hacer esta obra, Ana Belén, en Miami, en aquel caso sin Goizalde, y la obra transcurre en un teatro de Miami. Supongo que ficción y realidad no se parecen, pero ¿qué relación tienes con Miami?Ana Belén Beas: En realidad nada, pero últimamente hemos estado unos meses allí tanto por nuestro trabajo con la productora El Tío Caracoles, que estamos empezando a hacer producciones allí, como yo particularmente que tras hacer la premiere de 'Estrelladas' estuve como actriz en 'El inconveniente', una obra de Juan Carlos Rubio. Es verdad que la autora, Antonia Moreno, sitúa la acción en Miami, pero podría situarse en cualquier lado, lo importante es que sea un lugar lejano, distante y ajeno al origen de las protagonistas. Cuando uno está lejos, al estar más solo y lejos de sus afectos, todo se magnifica. Y eso es lo que les pasa a estas dos actrices, que están muy venidas a menos, que nadie las llama para trabajar, y en el peor momento de sus carreras, si es que alguna vez ha

Las Naves del Español en Matadero han acogido el estreno de '14.4', una obra escrita por Juan Diego Botto, dirigida por Sergio Peris-Mencheta y protagonizada por Ahmed Younoussi, un actor de origen marroquí que cuenta su propia vida, en primera persona. Él llegó a España escondido en un camión cuando solo tenía 9 años, después de estar viviendo en las calles de Tánger desde los 6 años y soñar con cruzar el Estrecho de Gibraltar, esos 14.4 kilómetros que dan título a la función. Lo intentó hasta 7 veces, y a la octava fue la vencida. El destino quiso que Peris-Mencheta y Ahmed se encontraran en un rodaje y ahí se selló un compromiso: algún día contarían su historia en un escenario. Una historia muy dura pero que ha podido ser contada desde un lugar amable y con mucho sentido del humor gracias al trabajo conjunto entre Ahmed y Botto, y con la dirección de Peris-Mencheta, que atraviesa también un momento delicado en su vida desde que le fue diagnosticada una leucemia, aunque esta obra, que dirigió a distancia mientras estaba ingresado en un hospital de Los Ángeles, ha sido un soplo de energía y fuerza para seguir luchando contra la enfermedad. Y es así como la obra se convierte a su vez en un acicate para humanizar lo que se ha deshumanizado y un antídoto contra el racismo. Como lo hacía Lorca en 'Una noche sin luna', tu obra anterior, también Ahmed nos pone delante un espejo, también su historia nos cuenta como comunidad, como ciudadanía. ¿Cuál es para ti lo fundamental de ese