Carlo Ferri

Existe una fuerte identificación entre la Navidad y la infancia, por lo que sea. Es tiempo de descanso, de vacaciones, de reuniones familiares, de viajes, de celebraciones, de regalos y de mantener viva la magia con los más pequeños de la casa, en unas fechas envueltas en las historias de los personajes que, al final de un año y al principio de otro, nos obsequian con todo aquello o con parte de lo que deseamos y nos impulsan a alimentar nuevas ilusiones. También la Navidad es un tiempo de ocio, desde las primeras pistas de hielo a la Cabalgata de Reyes Magos, y consumo, mucho consumo, y puestos a consumir, consumamos cultura. Los teatros se llenan de propuestas variadas donde encontramos historias protagonizadas por chicos y grandes, con mucha música, algo de cine, un poco de circo, bailes y canciones, títeres, cuentos clásicos, personajes históricos irrepetibles y sobre todo diversión. Estar con tus hijos e hijas, nietas o sobrinos en un patio de butacas y ver cómo les brillan los ojos de asombro e ilusión, es impagable. RECOMENDADO: Los mejores planes navideños para hacer con niños.

Es la gran cita anual con los grandes nombres internacionales del teatro, la música, la danza y el circo. El Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid cumple 42 ediciones en un año muy especial, con la que fue su primera directora al frente, Pilar de Yzaguirre, que en 1984 puso la primera piedra de este certamen gracias al que han aterrizado en la capital los artistas que han escrito la historia de la creación escénica. "Una referencia cultural de nuevas tendencias y con influencia en todos los continentes", en palabras de Yzaguirre, que este año tan festivo presenta un cartel muy sugerente en busca de ese público madrileño interesado y preparado, deseoso de volver a ver las obras de Robert Lepage o de Wajdi Mouawad, pero también ansioso por descubrir nombres nuevos como Sarah Vanhee o Nat Randall. Aquí os dejamos una selección con lo mejor del festival 2024.  RECOMENDADO: Las obras de teatro que no te puedes perder en Madrid. 

Arranca la nueva temporada escénica con vientos de cambio en Madrid, porque varios espacios municipales han renovado su dirección y este es el primer curso de sus capitanes. Es el caso de Matadero, donde las naves dedicadas al teatro se han desgajado de la gestión del Teatro Español. La Nave 10, comandada por Luis Luque, se consagra al teatro contemporáneo y la Nave 11 a la danza, bajo la batuta de María Pagés. El propio Español presenta la primera temporada de su nuevo director, Eduardo Vasco, lo mismo que el Fernán Gómez, que ahora dirige Juan Carlos Pérez de la Fuente. En general, las programaciones marcan una apuesta por el gran repertorio de todos los tiempos y más bien poco riesgo. Siempre queda Condeduque para la vanguardia. Junto a estos espacios, hay otros muchos públicos y privados entre cuyas programaciones para 2024-2025 hemos seleccionado algunas de las propuestas que consideramos imprescindibles.  RECOMENDADO: Nuestras últimas reseñas de teatro y arte

Si estás por Madrid en verano, puedes ir a refrescarte los pies con los chorritos de agua en los parques o puedes ir a refrescar cerebro y corazón sentado en la butaca de un teatro, donde además hay aire acondicionado. La actividad escénica baja un poco el ritmo estos meses en la capital, pero ni mucho menos se acaba el teatro. Aquí te traemos unas cuantas opciones para los días de calor y las noches de amor efímero, con clásicos y modernos, zarzuelas y lo más rompedor del off, además de pasar por la gran cita estival de los Veranos de la Villa o dar un salto a la sierra en busca de otras sensaciones. ¡Hay de todo! RECOMENDADO: Los cines de verano imprescindibles de Madrid.

La primavera en Madrid siempre es sinónimo de movimiento. Los cuerpos salen de sus madrigueras invernales con ganas de reencontrarse con el sol, las calles, los parques floridos, las terrazas y los teatros, donde en estos meses encontramos un buen puñado de propuestas de danza para los amantes de esta disciplina escénica siempre en continua evolución. Con epicentro en los Teatros del Canal –que será sede principal entre mayo y junio de la edición número 39 del Festival Madrid en Danza de la Comunidad de Madrid– y Matadero Madrid –por la celebración de Danzadero, un nuevo festival para celebrar el Día Internacional de la Danza el 29 de abril–, se despliegan las artes del movimiento en las programaciones, donde encontramos danza clásica, contemporánea, española, flamenco o sugerentes propuestas híbridas bajo el amplio marco de las artes vivas. Prepárense para dejarse llevar, dejarse sentir y dejarse emocionar. RECOMENDADO: Las obras de teatro que no te puedes perder. 

Lola Blasco ha tomado la sala Princesa del Teatro María Guerrero y la ha convertido en 'El teatro de las locas'. Así se llama una obra que interviene el espacio tanto como percute en nuestras mentes a través de un discurso coral que habla de locura, teatro dentro del teatro, del lugar de la mujer como objeto, de las luchas sofocadas, de las cobardías admitidas, de las cóleras reprimidas y de tantas otras cosas. Blasco explica cómo estando confinada durante los meses de pandemia, se topó con ese otro encierro que sufrían las mujeres diagnosticadas como histéricas en el infame hospital de La Salpêtriere de París, donde un médico célebre de la época, Jean Martin Charcot, las exponía como monos de feria para explicar sus teorías, recurriendo a personajes de Shakespeare. Por allí pasó Freud y desde ahí empezó a trazar los fundamentos de lo que luego se conoció como psicoanálisis. Mucha gente aprovechó el confinamiento para imaginar, para escribir, para crear. ¿Fue tu caso con esta obra? Qué va, yo tuve una experiencia muy traumática, porque me encerraron en un hospital de Santiago de Compostela, donde estaba ensayando con la compañía Voadora mi obra 'Siglo mío, bestia mía', incluso antes de que se decretara el confinamiento total. Vinieron dos señores vestidos de astronauta y me llevaron con lo puesto, todavía no se sabía nada sobre el virus. Luego me decían que escribiera sobre aquello, pero yo no podía escribir nada, yo no sabía si podría volver a Madrid, si volvería a ver a mi

En tiempos de pantallas e inteligencia artificial, se hace más patente la importancia para la educación social de nuestros pequeños de un deporte jugado en equipo o de un ritual eterno como es el teatro. Pocos lugares para reconectar con la vida real como un teatro, donde los niños y las niñas, "expertos en moverse por el universo virtual", como señala la directora de Teatralia, Lola Lara, pueden entregarse al "juego simbólico, el que pone al niño a representar, en la interacción lúdica con sus iguales, roles que observa en adultos o animales". Sensibilidad, cuerpo, juego, marionetas, danza, circo y teatro, ingredientes una vez más de un festival que la Comunidad de Madrid organiza desde hace 28 años. En esta edición, entre el 1 y el 24 de marzo, 40 espacios de toda la región acogen 24 espectáculos que llegan de 13 países y 6 autonomías españolas. Un fiesta pensada para el público del futuro que ya es presente, de la que destacamos estos montajes imprescindibles. Aunque imprescindibles, la verdad, son todos. RECOMENDADO: Todas las obras de la cartelera teatral madrileña. 

Alberto Cortés va cociendo sus obras a fuego lento y en el proceso, a veces, abre las puertas y deja que la gente mire lo que está haciendo. Esta pieza, 'One night at the golden bar', hermanada con otra suya, 'El Ardor', lleva dos años armándose y su germen se dejó ver ya en Réplika Teatro. Para el artista malagueño es importante, porque es en ese dejarse mirar como va entendiéndose a sí mismo y su trabajo, no le importa si la obra todavía se está haciendo. Con la mirada externa termina de afilar, pulir, limar; piensa y repiensa lo que hace y cómo lo hace. También esto forma parte de su afán por usar lo frágil como herramienta de trabajo. 'One night at the golden bar', dice él, es "la experiencia de vulnerabilizarme para encontrar la belleza que aparece en la declaración de amor cursi, afectada, desfasada y queer. Quería encontrar un canto que ponga en evidencia la fragilidad de los afectos desde la mirada marica". Y mientras, ya trabaja en un próximo montaje, buceando en el Romanticismo del siglo XVIII… De alguna manera, estás dando forma a una especie de romanticismo marica a partir de ese Romanticismo histórico. Es como tu poesía, donde al fin y al cabo, hay algo muy elevado pero al mismo tiempo muy terrenal. ¿Cómo es la convivencia entre esos dos planos?Lo marica aparece porque es inevitable. Y los dos planos tienen que estar ahí porque me definen bien, no estoy nunca ni muy en el cielo ni muy en la tierra, y ese lugar en el que juegas entre los dos parámetros es lo que s

Despedimos un 2023 que para el teatro ha sido un buen año aunque sigamos con algunas inercias de estos y otros tiempos sin resolver, como la sobreproducción, la precariedad en la base o las injerencias políticas en las programaciones públicas. Así que 2024 llega con muchos cambios en Madrid en las direcciones artísticas de centros municipales y autonómicos, y con un nuevo ministro de Cultura que, entre otras cosas, esperemos que le meta mano al Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) y termine por desarrollar el Estatuto del Artista. Y mientras vemos si esta carta a los reyes es fantasía o realidad, lo que sí tenemos ya son unas cuantas cosas programadas que seguro nos van a sorprender, nos van a divertir y nos van a emocionar. Abre la agenda del año nuevo y vete apuntando. RECOMENDADO: Los grandes conciertos de Madrid en 2024. 

La Muestra de Creación Escénica Surge Madrid alcanza su décima edición apostando por las salas de pequeño formato, lugares íntimos y cercanos donde disfrutar el arte escénico en todas sus expresiones a escasos metros. Obras de diversos estilos y géneros que reflejan debates sociales actuales como la inmigración, el feminismo, la memoria o los efectos de la pandemia a través del teatro, la danza, la música o la performance. Hemos seleccionado 11 montajes, sin dejar de lado dos apartados especiales de su programación: las ya tradicionales propuestas Transversas, y la novedosa Conexión México, que estrecha los lazos de este festival con la escena latinoamericana. RECOMENDADO: Las obras de teatro de la cartelera madrileña que no te puedes perder. 

La novela de Louisa May Alcott ha visto muchas adaptaciones al cine, al teatro y a la televisión, prueba de que es una historia imperecedera y universal que se agarra fuerte al corazón. Con la intención de ganar nuevos públicos a esta legión de fans de 'Mujercitas', Producciones Arbex presenta esta nueva y fiel versión de las historias de Meg, Beth, Jo y Amy, poderosas e hipnóticas a pesar de su cotidianidad. Humor, ternura, romance, pérdida… es el perfecto paisaje de la naturaleza humana. Ahí están los valores de la familia, el poder de la feminidad y la perseverancia que siguen inspirando y ganando adeptos, generación tras generación. Esta adaptación quiere resaltar, dicen sus responsables, "estos mensajes que parecen ya olvidados en los productos teatrales contemporáneos". Porque esto es mucho más que un viaje nostálgico a un pasado irreconocible hoy; al contrario, es una obra capaz de generar reflexiones profundas sobre el mundo actual. Marcos Arbex es el encargado de la dramaturgia y la dirección y las cuatro protagonistas son encarnadas por Paula Colorado, Chantal Martín, Elena Francisco y Paula Mori.

Justo antes de Nochebuena, el Hada de la Navidad envía a un elfo llamado Sugar a la habitación de Sofie, una niña que hace tiempo que no cree en la magia y que ha perdido la ilusión por la Navidad. Deberá devolverle la sonrisa antes de la Nochebuena si quiere cumplir su sueño: ser la primera ayudante de Santa Claus. Pero Sofie es dura de roer, y no se lo va a poner fácil. Poco a poco Sugar descubrirá el motivo de su tristeza, así que decide usar la magia élfica para traer a la habitación a todos los personajes de los cuentos que tanto le gustaban a Sofie cuando se los contaba su abuelo Frans. Cenicienta, Blanca Nieves, Garfio y Peter Pan, Bella, el Genio de la lámpara y muchos más son, de pronto, protagonistas de esta historia, para dejarle un mensaje muy especial a Sofie, el mensaje que le devolverá la ilusión. La niña recuperará la alegría y se dará cuenta de muchas cosas, rodeada del cariño de sus personajes favoritos. Es la obra ideal para recordarnos el valor de la magia, de la amistad, de los buenos recuerdos, y de amar a los seres queridos por encima de todo. Y sobre todo nos divertiremos con las ocurrencias de Sugar, y de sus hermanos elfos.

Sin duda, Cometa se ha convertido en el personaje estrella de la Navidad madrileña, y eso que apareció como por casualidad allá por el 2018 en el espectáculo Gospel Circus que se estrenó en el Teatro Circo Price. Pero algo tenía que enseguida conquistó al público: su descaro, tan irreverente y pizpireta a la vez, nada parecido al estereotipo del personaje infantil habitual, lo cual le hace ganar adeptos, año tras año, entre pequeños y grandes. Si está Cometa por medio, no vamos a estar en el típico montaje de princesas y duendes. Ella, de la mano de la actriz que se esconde detrás del personaje, la talentosísima Carla Pulpón, quiere ser la heroína de todos los que sueñan con vivir en un sitio mejor. En Cometa soy yo, la historia tiene que ver con un programa de televisión, con su directora, Antonia Tres, reputadísima productora conocida por su malhumor. Está buscando presentadora para su nuevo programa especial de Navidad, pero los más grandes se niegan a trabajar con ella, hasta que su asistente Piquito de Oro le recomienda que le haga una prueba a una amiga suya, una tal Cometa. ¿Conseguirá triunfar como estrella de televisión? Lo descubriremos entre villancicos de ayer, hoy y mañana, juegos y sorteos en directo. Diversión asegurada.

Este montaje inspirado en el clásico y celebérrimo musical cinematográfico lleva como subtítulo 'Youth edition', es decir, todo el elenco está conformado por gente bastante joven que proviene de la Glee Club Academy, una escuela de canto y baile enfocada en la comedia musical que tiene varias sedes en la Comunidad de Madrid. Como casi todo el mundo debe saber, 'Sonrisas y lágrimas' es una historia basada en las memorias de Maria Von Trapp, una mujer que, a principios de los años 30 del siglo XX en Austria, acepta el trabajo como institutriz de una familia numerosa mientras decide si quiere convertirse en monja. Pero la conexión tan especial que establece enseguida con los niños y niñas de aquella familia lo va a cambiar todo, porque no solo les coge un enorme cariño, sino que acaba enamorándose del padre, el capitán Von Trapp. Estamos a las puertas de la Segunda Guerra Mundial y el capitán debe incorporarse a la marina alemana, pero él no está de acuerdo con los nazis, con lo que deberá huir junto a María y sus hijos y al son de títulos tan conocidos como 'Do-Re-Mi', 'My favorite things', 'Edelweiss' o la canción principal 'The sound of music'.

Es increíble, y esto no lo saben los creativos publicitarios, empeñados en lo de siempre (astronomía, dinosaurios, fútbol…), pero los mitos griegos ejercen una poderosa atracción sobre los más pequeños, cuando se les cuentan las batallitas que protagonizan los dioses del Olimpo y los hombres y mujeres que entran en relación con ellos. En esta obra, toda esta mitología se simplifica para ser narrada a niños y niñas a partir de cuatro años, narrada al más puro estilo homérico, o sea, de viva voz, acompañada de gestos y unos pocos objetos. Se trata de estimular la maquinaria de la imaginación, un arma sin duda poderosísima. Y a ella recurre Héctor Urién, dramaturgo, director (junto a Eugenia Manzanera) e intérprete único en esta fiesta mitológica. Urién se sumerge en el mar Egeo, nos introduce en el barco de Ulises acompañado de sus marineros para ir a la guerra de Troya y luego volver con toda su odisea a cuestas, viviendo todo tipo de aventuras. También nos acompaña, junto a Teseo, por el laberinto del Minotauro, nos plantea los enigmas de la esfinge que atormentó a Edipo y nos encontramos con las jugarretas de Zeus. A pesar de ser historias llenas de emociones de todo tipo, aquí prevalece la risa en un espectáculo de palabras habitadas.

La autoficción llega al teatro musical en una obra directamente pensada para disfrutar en familia, sobre todo si tenemos hijos adolescentes (o primos, o sobrinos…). Porque esto es un espectáculo musical que cuenta la historia real de Alan Montoliu, un chico de 17 años que, como él mismo dice, tiene una familia y una vida normal. ¿Normal? Cuando alguien dice que su vida es normal, ¿puede que esté ocultando algo? ¿Qué es ser normal? Para Alan es ser un adolescente más, feliz y reservado, valiente y lleno de miedos, con una madre preocupada -demasiado en su opinión- y un abuelo que lo consiente todo. Lo que también es normal, o se ha normalizado, es la convivencia en los institutos con insultos, mensajes amenazantes, golpes o burlas. Porque el que quiere ser normal, no siempre puede. ¿Cómo debe gestionar un adolescente esta situación de acoso y transfobia? ¿Cómo puede ayudar una madre a un hijo que no se deja ayudar? ¿Qué podemos hacer los demás, más allá del núcleo familiar? De momento, podemos ir a disfrutar este espectáculo que es, además, un homenaje a la valentía y perseverancia de aquellos que luchan por ser lo que quieren ser.

Llega el tradicional montaje navideño al Price, una producción especial que ya es un clásico en las agendas madrileñas en estas fechas. En esta ocasión, el hilo conductor es un grupo de cinco amigos con una misión, si me permiten la ironía, muy original: recuperar el espíritu de la Navidad. Tom, Lai, Dante, Lucas y Tatín han estado viviendo increíbles aventuras por medio mundo, pero al llegar a casa se encuentran una terrible noticia: la Navidad ha desaparecido. Tom es el carismático líder de esta misión salvadora en la que la pizpireta Lai pondrá la gracia y la dulzura; Tatín la risa más payasa; Dante la música y Lucas, aunque a veces se pone demasiado serio, arrolla con su encanto e ingenio. Música, baile, humor, canciones y, claro, circo, mucho circo, porque a medida que avanza la historia se van intercalando números circenses que dejarán boquiabierto al personal, familias compartiendo emoción, asombro y palomitas. Colorido, enérgico, divertido y entrañable. Así debe ser un espectáculo pensado para todas las edades en el momento más sentimental del año.

La vida de Antoine de Saint-Exupéry es fascinante y, más allá de ser el autor de 'El Principito', su historia es susceptible de ser llevada, como en este caso, a una obra teatral pensada para toda la familia. Una obra que surge de la idea original de Yane Bonin y que ha llevado adelante como directora del montaje Pilar Ávila. Para ella "el tiempo de la niñez es el más inteligente que posee el ser humano". Con esa premisa nos invita a disfrutar de una propuesta teatral basada en la vida de Saint-Exupéry y en su obra universal, que lleva implícita otra invitación: la de reflexionar sobre nuestra existencia y lo que dejamos atrás, abandonado, al hacernos mayores. Caminar por la vida con la lucidez de un niño se convierte así en indispensable para acercarnos al menos a la idea de que un mundo mejor es posible. La niñez, dice Pilar Ávila, es "el tiempo más elevado y mágico de una vida y el que abandonamos aterrizando con la prisa puesta en nuevos horizontes que desde lejos parecen deslumbrantes". La vida adulta, es cierto, no siempre tan deslumbrante, pero lejos de olvidarnos del niño que fuimos, esta obra nos lleva en un vuelo hacia todo aquello que guardamos dentro del infante que fuimos.

Estamos ante una propuesta interdisciplinar, ya que se trata de una película animada que se puede ver en un teatro con música en directo, una orquesta en vivo que acompaña la proyección de 'Pedro y el lobo', filmada por Suzie Templeton, ganadora del Oscar al Mejor Cortometraje Animado en 2007. La música que acompaña la propuesta es, obviamente, la composición de 1936 de Serguéi Prokófiev. Templeton estrenó la película en el Royal Albert Hall junto a la filarmónica de Londres en una animación stop-motion que carece totalmente de diálogos y narración. No es la única diferencia con el original, que tenía un narrador, sino que introduce pequeños cambios en el argumento, que recordamos que cuenta la historia de un joven pionero soviético que vive con su abuelo en una casa en un claro de un bosque, donde un pato, un pájaro, un gato y un lobo son los protagonistas de una fábula en la que se establece, metafóricamente, una nueva relación no tan basada en el miedo o la dominación entre los humanos y los animales. Es el enfrentamiento entre Pedro y el lobo lo que lo cambiará todo para siempre.

Cada año por estas fechas llega el resultado del proyecto Nuevos Dramáticos, en el que el Centro Dramático Nacional promueve el trabajo durante varios meses con un grupo de niños y niñas de entre 8 y 10 años. Ese resultado final es una obra de teatro donde los y las peques comparten escenario con profesionales adultos, representando una obra escrita y dirigida por una persona distinta cada año. En esta ocasión ha sido el propio director del CDN, Alfredo Sanzol, el que ha trabajado con la chavalería hasta llegar a una obra, 'Ensimismada', que es su primera experiencia como creador para el ámbito infantil. Se trata de una historia que tiene que ver, obviamente, con el ensimismamiento. Quedarnos ensimismados de vez en cuando es bueno, dice Sanzol, estar ahí un rato pensando en nuestras cosas, un poco aislados… pero si nos pasamos podemos caer en un lado menos saludable del ensimismamiento. Esta idea se materializa en escena en la relación de dos hermanas, Ensimismada y Responsable, que evidencian cómo de necesaria es la presencia de los demás también para salir de ese pozo de soledad en el que a veces caemos y del que no siempre sabemos salir.

Dicen que Camille Saint-Saëns compuso El carnaval de los animales casi como una broma para pasar entre amigos un día de carnaval. Jugó a mezclar la idiosincrasia sonora de animales como el león, la gallina, el canguro, el burro o el elefante con su música y la de otros compositores del momento, porque aquello era para ser interpretado en fiestas privadas. Una especie de travesura genial que le terminó dando a su autor una gran popularidad. Ese aire juguetón está también en esta obra escrita y dirigida por Enrique Lanz, que se encarga además de la escenografía y los títeres (impresionantes títeres que harán las delicias de peques y mayores). Lanz quiere que le acompañemos imaginando el sueño de un fauno, que sueña con animales de todas partes y de toda condición: de África o de Australia, voladores y reptantes, prehistóricos y habituales de nuestras granjas hoy. Y en mitad de su sueño, la música, la orquesta, un concierto invadido de humor y poesía, y de animales. Once músicos haciendo el animal y fantasías sorprendentes sin más lógica que la de los sueños.

Destaquemos, para bien, lo primero, la feliz regularidad con la que en el Centro Dramático Nacional estamos asistiendo a la naturalización, por decirlo de alguna forma, de los actores y actrices con algún tipo de discapacidad. Lejos van quedando los tiempos en los que había que hacer ciclos y programaciones especiales para llamar la atención sobre lo importante que es la inclusión, que lo sigue siendo, ojo, que no todo está hecho. Pero el CDN en esto lleva décadas siendo un ejemplo a seguir y vamos viendo los resultados. La presencia en esta obra de Telmo Irureta, actor ya célebre, ganador de un Premio Goya, no destaca tanto por su situación física, sino por su prestancia interpretativa y su capacidad para hacernos reír y pensar al mismo tiempo. Esto, siendo justos, tampoco sería posible sin una obra muy bien armada desde la dramaturgia y con una dirección pulcra al servicio de la historia. La autora y directora, que ya ha trabajado con Irureta en otras ocasiones, sabe muy bien integrar las características del actor en el personaje y viceversa. Pero no queda ahí el asunto, que esto no es un monólogo. Al contrario, es una pequeña coralidad en la que Karmele Aranburu y, sobre todo, Candela Solé tienen mucho que decir (el personaje que interpreta Solé está compartido con otra actriz, Aitziber Garmendia, pero en este caso hablo de Solé porque es la que estaba en escena el día que vimos la obra, y hace un trabajo excelso). Es una obra para lucimiento de las actrices porque, en ape

Dos actrices españolas venidas a menos comparten camerino en un teatro de Miami. La una con maneras de diva, la otra una superviviente con ínfulas. Así arranca 'Estrelladas', la nueva comedia de Antonia Moreno, que está llamada a ser una de las fábricas de carcajadas más productivas de este verano en Madrid. Charlamos con sus directoras y protagonistas, Ana Belén Beas y Goizalde Núñez, antes de que desembarquen en el Teatro Lara para estrenar en España una obra que ya se ha visto, precisamente, en Miami. Vienes de hacer esta obra, Ana Belén, en Miami, en aquel caso sin Goizalde, y la obra transcurre en un teatro de Miami. Supongo que ficción y realidad no se parecen, pero ¿qué relación tienes con Miami?Ana Belén Beas: En realidad nada, pero últimamente hemos estado unos meses allí tanto por nuestro trabajo con la productora El Tío Caracoles, que estamos empezando a hacer producciones allí, como yo particularmente que tras hacer la premiere de 'Estrelladas' estuve como actriz en 'El inconveniente', una obra de Juan Carlos Rubio. Es verdad que la autora, Antonia Moreno, sitúa la acción en Miami, pero podría situarse en cualquier lado, lo importante es que sea un lugar lejano, distante y ajeno al origen de las protagonistas. Cuando uno está lejos, al estar más solo y lejos de sus afectos, todo se magnifica. Y eso es lo que les pasa a estas dos actrices, que están muy venidas a menos, que nadie las llama para trabajar, y en el peor momento de sus carreras, si es que alguna vez ha

Las Naves del Español en Matadero han acogido el estreno de '14.4', una obra escrita por Juan Diego Botto, dirigida por Sergio Peris-Mencheta y protagonizada por Ahmed Younoussi, un actor de origen marroquí que cuenta su propia vida, en primera persona. Él llegó a España escondido en un camión cuando solo tenía 9 años, después de estar viviendo en las calles de Tánger desde los 6 años y soñar con cruzar el Estrecho de Gibraltar, esos 14.4 kilómetros que dan título a la función. Lo intentó hasta 7 veces, y a la octava fue la vencida. El destino quiso que Peris-Mencheta y Ahmed se encontraran en un rodaje y ahí se selló un compromiso: algún día contarían su historia en un escenario. Una historia muy dura pero que ha podido ser contada desde un lugar amable y con mucho sentido del humor gracias al trabajo conjunto entre Ahmed y Botto, y con la dirección de Peris-Mencheta, que atraviesa también un momento delicado en su vida desde que le fue diagnosticada una leucemia, aunque esta obra, que dirigió a distancia mientras estaba ingresado en un hospital de Los Ángeles, ha sido un soplo de energía y fuerza para seguir luchando contra la enfermedad. Y es así como la obra se convierte a su vez en un acicate para humanizar lo que se ha deshumanizado y un antídoto contra el racismo. Como lo hacía Lorca en 'Una noche sin luna', tu obra anterior, también Ahmed nos pone delante un espejo, también su historia nos cuenta como comunidad, como ciudadanía. ¿Cuál es para ti lo fundamental de ese