Carlo Ferri

El nuevo año llega cargado de buen teatro en Madrid y aquí te avanzamos once estrenos que deberías ir agendando para no quedarte sin entrada, más una cita muy mágica que alcanza ya nada menos que su decimoquinta edición: el Festival Internacional de Magia de Madrid. Tendremos grandes figuras internacionales como Toni Servillo y clásicos de nuestra escena, comedias y dramas, adaptaciones cinematográficas y teatro documental. Esta selección es el mejor botón de muestra de la buena salud y la ingente actividad que disfrutan los escenarios de la capital. ¡Ni un día de 2025 sin teatro! RECOMENDADO: Los grandes conciertos de Madrid en 2025. 

Existe una fuerte identificación entre la Navidad y la infancia, por lo que sea. Es tiempo de descanso, de vacaciones, de reuniones familiares, de viajes, de celebraciones, de regalos y de mantener viva la magia con los más pequeños de la casa, en unas fechas envueltas en las historias de los personajes que, al final de un año y al principio de otro, nos obsequian con todo aquello o con parte de lo que deseamos y nos impulsan a alimentar nuevas ilusiones. También la Navidad es un tiempo de ocio, desde las primeras pistas de hielo a la Cabalgata de Reyes Magos, y consumo, mucho consumo, y puestos a consumir, consumamos cultura. Los teatros se llenan de propuestas variadas donde encontramos historias protagonizadas por chicos y grandes, con mucha música, algo de cine, un poco de circo, bailes y canciones, títeres, cuentos clásicos, personajes históricos irrepetibles y sobre todo diversión. Estar con tus hijos e hijas, nietas o sobrinos en un patio de butacas y ver cómo les brillan los ojos de asombro e ilusión, es impagable. RECOMENDADO: Los mejores planes navideños para hacer con niños.

Es la gran cita anual con los grandes nombres internacionales del teatro, la música, la danza y el circo. El Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid cumple 42 ediciones en un año muy especial, con la que fue su primera directora al frente, Pilar de Yzaguirre, que en 1984 puso la primera piedra de este certamen gracias al que han aterrizado en la capital los artistas que han escrito la historia de la creación escénica. "Una referencia cultural de nuevas tendencias y con influencia en todos los continentes", en palabras de Yzaguirre, que este año tan festivo presenta un cartel muy sugerente en busca de ese público madrileño interesado y preparado, deseoso de volver a ver las obras de Robert Lepage o de Wajdi Mouawad, pero también ansioso por descubrir nombres nuevos como Sarah Vanhee o Nat Randall. Aquí os dejamos una selección con lo mejor del festival 2024.  RECOMENDADO: Las obras de teatro que no te puedes perder en Madrid. 

Arranca la nueva temporada escénica con vientos de cambio en Madrid, porque varios espacios municipales han renovado su dirección y este es el primer curso de sus capitanes. Es el caso de Matadero, donde las naves dedicadas al teatro se han desgajado de la gestión del Teatro Español. La Nave 10, comandada por Luis Luque, se consagra al teatro contemporáneo y la Nave 11 a la danza, bajo la batuta de María Pagés. El propio Español presenta la primera temporada de su nuevo director, Eduardo Vasco, lo mismo que el Fernán Gómez, que ahora dirige Juan Carlos Pérez de la Fuente. En general, las programaciones marcan una apuesta por el gran repertorio de todos los tiempos y más bien poco riesgo. Siempre queda Condeduque para la vanguardia. Junto a estos espacios, hay otros muchos públicos y privados entre cuyas programaciones para 2024-2025 hemos seleccionado algunas de las propuestas que consideramos imprescindibles.  RECOMENDADO: Nuestras últimas reseñas de teatro y arte

Si estás por Madrid en verano, puedes ir a refrescarte los pies con los chorritos de agua en los parques o puedes ir a refrescar cerebro y corazón sentado en la butaca de un teatro, donde además hay aire acondicionado. La actividad escénica baja un poco el ritmo estos meses en la capital, pero ni mucho menos se acaba el teatro. Aquí te traemos unas cuantas opciones para los días de calor y las noches de amor efímero, con clásicos y modernos, zarzuelas y lo más rompedor del off, además de pasar por la gran cita estival de los Veranos de la Villa o dar un salto a la sierra en busca de otras sensaciones. ¡Hay de todo! RECOMENDADO: Los cines de verano imprescindibles de Madrid.

La primavera en Madrid siempre es sinónimo de movimiento. Los cuerpos salen de sus madrigueras invernales con ganas de reencontrarse con el sol, las calles, los parques floridos, las terrazas y los teatros, donde en estos meses encontramos un buen puñado de propuestas de danza para los amantes de esta disciplina escénica siempre en continua evolución. Con epicentro en los Teatros del Canal –que será sede principal entre mayo y junio de la edición número 39 del Festival Madrid en Danza de la Comunidad de Madrid– y Matadero Madrid –por la celebración de Danzadero, un nuevo festival para celebrar el Día Internacional de la Danza el 29 de abril–, se despliegan las artes del movimiento en las programaciones, donde encontramos danza clásica, contemporánea, española, flamenco o sugerentes propuestas híbridas bajo el amplio marco de las artes vivas. Prepárense para dejarse llevar, dejarse sentir y dejarse emocionar. RECOMENDADO: Las obras de teatro que no te puedes perder. 

Lola Blasco ha tomado la sala Princesa del Teatro María Guerrero y la ha convertido en 'El teatro de las locas'. Así se llama una obra que interviene el espacio tanto como percute en nuestras mentes a través de un discurso coral que habla de locura, teatro dentro del teatro, del lugar de la mujer como objeto, de las luchas sofocadas, de las cobardías admitidas, de las cóleras reprimidas y de tantas otras cosas. Blasco explica cómo estando confinada durante los meses de pandemia, se topó con ese otro encierro que sufrían las mujeres diagnosticadas como histéricas en el infame hospital de La Salpêtriere de París, donde un médico célebre de la época, Jean Martin Charcot, las exponía como monos de feria para explicar sus teorías, recurriendo a personajes de Shakespeare. Por allí pasó Freud y desde ahí empezó a trazar los fundamentos de lo que luego se conoció como psicoanálisis. Mucha gente aprovechó el confinamiento para imaginar, para escribir, para crear. ¿Fue tu caso con esta obra? Qué va, yo tuve una experiencia muy traumática, porque me encerraron en un hospital de Santiago de Compostela, donde estaba ensayando con la compañía Voadora mi obra 'Siglo mío, bestia mía', incluso antes de que se decretara el confinamiento total. Vinieron dos señores vestidos de astronauta y me llevaron con lo puesto, todavía no se sabía nada sobre el virus. Luego me decían que escribiera sobre aquello, pero yo no podía escribir nada, yo no sabía si podría volver a Madrid, si volvería a ver a mi

En tiempos de pantallas e inteligencia artificial, se hace más patente la importancia para la educación social de nuestros pequeños de un deporte jugado en equipo o de un ritual eterno como es el teatro. Pocos lugares para reconectar con la vida real como un teatro, donde los niños y las niñas, "expertos en moverse por el universo virtual", como señala la directora de Teatralia, Lola Lara, pueden entregarse al "juego simbólico, el que pone al niño a representar, en la interacción lúdica con sus iguales, roles que observa en adultos o animales". Sensibilidad, cuerpo, juego, marionetas, danza, circo y teatro, ingredientes una vez más de un festival que la Comunidad de Madrid organiza desde hace 28 años. En esta edición, entre el 1 y el 24 de marzo, 40 espacios de toda la región acogen 24 espectáculos que llegan de 13 países y 6 autonomías españolas. Un fiesta pensada para el público del futuro que ya es presente, de la que destacamos estos montajes imprescindibles. Aunque imprescindibles, la verdad, son todos. RECOMENDADO: Todas las obras de la cartelera teatral madrileña. 

Alberto Cortés va cociendo sus obras a fuego lento y en el proceso, a veces, abre las puertas y deja que la gente mire lo que está haciendo. Esta pieza, 'One night at the golden bar', hermanada con otra suya, 'El Ardor', lleva dos años armándose y su germen se dejó ver ya en Réplika Teatro. Para el artista malagueño es importante, porque es en ese dejarse mirar como va entendiéndose a sí mismo y su trabajo, no le importa si la obra todavía se está haciendo. Con la mirada externa termina de afilar, pulir, limar; piensa y repiensa lo que hace y cómo lo hace. También esto forma parte de su afán por usar lo frágil como herramienta de trabajo. 'One night at the golden bar', dice él, es "la experiencia de vulnerabilizarme para encontrar la belleza que aparece en la declaración de amor cursi, afectada, desfasada y queer. Quería encontrar un canto que ponga en evidencia la fragilidad de los afectos desde la mirada marica". Y mientras, ya trabaja en un próximo montaje, buceando en el Romanticismo del siglo XVIII… De alguna manera, estás dando forma a una especie de romanticismo marica a partir de ese Romanticismo histórico. Es como tu poesía, donde al fin y al cabo, hay algo muy elevado pero al mismo tiempo muy terrenal. ¿Cómo es la convivencia entre esos dos planos?Lo marica aparece porque es inevitable. Y los dos planos tienen que estar ahí porque me definen bien, no estoy nunca ni muy en el cielo ni muy en la tierra, y ese lugar en el que juegas entre los dos parámetros es lo que s

La Muestra de Creación Escénica Surge Madrid alcanza su décima edición apostando por las salas de pequeño formato, lugares íntimos y cercanos donde disfrutar el arte escénico en todas sus expresiones a escasos metros. Obras de diversos estilos y géneros que reflejan debates sociales actuales como la inmigración, el feminismo, la memoria o los efectos de la pandemia a través del teatro, la danza, la música o la performance. Hemos seleccionado 11 montajes, sin dejar de lado dos apartados especiales de su programación: las ya tradicionales propuestas Transversas, y la novedosa Conexión México, que estrecha los lazos de este festival con la escena latinoamericana. RECOMENDADO: Las obras de teatro de la cartelera madrileña que no te puedes perder. 

No miento si digo que la concesión del Premio Nobel de Literatura a Jon Fosse el año pasado supuso el descubrimiento para muchos de este escritor noruego profundamente unido al teatro. Hasta entonces, casi nadie había oído hablar aquí de sus obras, sobre todo porque no estaban traducidas al español. Pero estamos ante un gran dramaturgo, que huye de las convenciones y presenta una escritura cortante como un témpano de hielo, pero que, como todo iceberg, oculta debajo toda la complejidad emocional y filosófica del ser humano. Y esta característica se encuentra a primera vista en esta obra que acoge la sala pequeña del Español casi como traída desde la cabeza del autor al escenario en una caja blanca que emula un apartamento aséptico en una planta 14, etéreo, onírico, magnético. Heredero del tormentoso teatro nórdico que lo cambió todo a caballo entre los siglos XIX y XX, con el aroma a Strindberg supurando en una elegante destilación, este Viento fuerte es un poema dramático que se hace presente más en la palabra que en la acción, más en el envoltorio que en el caramelo, que va dando vueltas en la boca dejando sabores agridulces, sin concesiones a la futilidad. Quizás ahí radica el pero de esta función, en que siendo corta y directa, parece confiar poco desde su concepción en la propuesta verbal del autor y se adorna con un aparataje visual, sonoro y plástico que, siendo interesante y estimulante en un principio, llega a molestar puntualmente y hasta a cansar en el caso del esp

Sergio Peris-Mencheta no se cansa de ponerse nuevos retos por delante. En esta ocasión, se hace cargo de la dirección, con su habitual solvencia para transmitir emociones, de una pieza de teatro documental que nace a partir de unas viejas fotografías. El texto, firmado por Moisés Kaufman y Amanda Gronich, habla de un álbum de fotos de la Segunda Guerra Mundial nunca antes vistas, que son enviadas a Rebecca Erbelding, la directora de archivos del Museo del Holocausto de Estados Unidos. Las fotos muestran a los oficiales del campo de Auschwitz, el más letal que levantó el régimen nazi, y a medida que Rebecca se sumerge en las imágenes, una historia increíble sale a relucir: ¿cómo vivimos una vida cotidiana al lado de un campo de exterminio? Las fotos empiezan a recorrer el mundo y en Alemania, un empresario se las encuentra en internet y reconoce a su abuelo en una de ellas. Con un reparto compuesto por Víctor Clavijo, Paloma Porcel, María Pascual, Aitor Beltrán y Clara Alvarado, 'Blaubeeren' cuenta la historia de unas fotos, de lo que nos revelan sobre el Holocausto y de lo que nos cuentan sobre nuestra propia humanidad.

Alma Vidal reúne a un elenco compuesto por Marta Poveda, Antonio Hernández Fimia, Natalia Llorente y Nacho Almeida para montar una obra que ella ha escrito y dirige también, este dios de la juventud tan controvertido retratado antes de dar el salto hacia el mundo adulto. Obra existencialista y parcialmente trágica, dicen ellos, es un juego metateatral donde el ego del joven artista y su patética lucha por la resistencia están en el punto de mira. Todos queremos ser eternamente jóvenes y una cierta dosis está bien, sin caer en el peterpanismo enfermizo. Pero lo enfermizo no solo puede estar dentro de uno, sino en la sociedad. Aquí hay un grito de una generación a la que se ha prometido un éxito fácil y que debe volver a encontrar la autenticidad y el sentido único de su existencia. La protagonista de la obra es Amalia, una artista que, concluida su obra más perfecta, se entrega irrevocablemente al suicidio, porque no tiene sentido seguir viviendo cuando ya solo queda envejecer. Pero antes de este fatal desenlace, conoce a Mateo, un joven idealista que se ha enamorado perdidamente de ella. Pero esta historia está dentro de otra historia, y habrá que ir al teatro para descubrirla.

El propio Juan Mayorga cerrará la temporada del teatro que dirige, La Abadía, con una obra suya que ha tardado unos años en ver la luz de las tablas, 'Los yugoslavos', que también va a dirigir con un reparto de lujo: Luis Bermejo, Javier Gutiérrez, Natalia Hernández y Alba Planas. Se trata de una de esas obras de Mayorga que encuentra un disparadero en la vida cotidiana. En este caso, concretamente en un bar, donde un camarero oye hablar a un cliente y le pide que hable con su esposa. Los personajes protagonistas son dos hombres que intercambian palabras y dos mujeres que intercambian mapas. Ninguno de ellos pisó aquel país que se llamaba Yugoslavia. El título alude a un lugar donde quizá se reúnan personas que tendrían en común haber nacido en un lugar que ya no existe. El propio Mayorga recuerda cómo su abuelo, que tenía un bar, volvía cada noche a su casa contando historias fascinantes que vivía con los clientes. El tema de la obra es uno de los más recurrentes del dramaturgo y académico madrileño: lo que hacemos con las palabras y lo que las palabras hacen con nosotros.

¿Qué hacemos? ¿Trabajamos o criamos? Y si queremos hacer las dos cosas, ¿dónde se compran los superpoderes? 'Madres' es una comedia desesperada en la que cinco mujeres, madres, todas ellas de muy distintas maneras -porque no hay una sola manera de ser madre-, se quedan encerradas en la sala de espera de un colegio. Es la situación ideal para hablar sin tapujos de todo lo que significa ser madre hoy en día en un mundo como el nuestro, de lo difícil que es para la mayoría de las mujeres cuando la palabra conciliación es solo un eslogan. Toda una montaña rusa emocional que propone un viaje para reír, vivir y pensar, según las propias palabras de la autora y directora de la obra, Elena Díaz. La obra lleva ya más de 100 representaciones en el Lara con cinco actrices abriendo su corazón -o el de sus personajes- para hablar de madres separadas y su falta de recursos, de lo que significa criar en este sistema laboral y social actual, de la sexualidad durante la maternidad, de la presión social ante la duda de si ser madre o no… sombras y luces perfectamente encarnadas por Cayetana Cabezas, Marta Eguía, Tamara Berbés, Mechi Oliverio y Elena Díaz Barrigón.

Expectación máxima. El guionista de películas como 'Amo tu cama rica' (1992), 'Los peores años de nuestra vida' (1994) o 'La niña de tus ojos' (1998), el director de 'La buena vida' (1996) y 'Soldados de Salamina' (2003), presentadas ambas en el festival de Cannes, o de 'Vivir es fácil con los ojos cerrados' (2013), ganadora de seis premios Goya, y la reciente 'Saben aquell' (2023), el avezado articulista de prensa y escritor con seis novelas en las estanterías, se viene al teatro, ha querido probar el fragor de las tablas. Se supone que por eso, en el Centro Dramático Nacional le reservaron a David Trueba el mítico escenario del María Guerrero, el primer teatro de España [esta crítica es de su estreno en Madrid en abril de 2024]. Eso es debutar a lo grande. Pero también es exponerte a lo bestia. Porque tu pericia como guionista y director de cine no es garantía de dominio del arte teatral; siendo primos hermanos, cine y teatro son lenguajes muy diferentes. Esa carencia se nota, como no podía ser de otra forma (le pasó lo mismo a Manuel Martín Cuenca hace un par de años con 'Un hombre de paso'). Todo el armazón es débil, pero se sostiene, en parte por ese estilo tan característico del autor que imprime humanidad y melancolía a historias con trasfondo social miradas como desde fuera de campo. Vito Sanz y Anna Alarcón defienden con garra sus personajes y los sobreponen a la ristra de clichés que hay sobre el papel La cosa va de un reencuentro. Del reencuentro entre un hombre y

Todo el que haya pasado por el instituto debe conocer, aunque sea de oídas, esta obra, una de las más importantes escritas en español del teatro del siglo XX, una obra que hizo frente con inteligencia y talento a la censura del franquismo mostrando la vida cotidiana de un grupo de vecinos y vecinas y su lugar colectivo, la escalera. Cada nuevo montaje de 'Historia de una escalera', el clásico contemporáneo de Antonio Buero Vallejo, queda registrado en los anales y pasa a ser objeto de estudio en universidades de todo el mundo. Es una obra a la altura de 'La vida es sueño', de 'La casa de Bernarda Alba' o de 'Luces de bohemia' y por eso está esta temporada en el Español, con dirección de Helena Pimenta y un reparto encabezado por la grandísima Gloria Muñoz, a la que acompañan Marta Poveda, David Luque, José Luis Alcobendas o Carmen del Valle. Hace 75 años que se estrenó en este mismo teatro y ese tiempo se traslada a la acción, tiempo que transcurre en un ir y venir de gente por una escalera que es la auténtica protagonista del drama. Gente sencilla que trata de sobrevivir, sin más, de sobreponerse a la dura realidad española marcada por la miseria, aunque sea refiriéndose a épocas anteriores o posteriores a la posguerra, porque todavía hoy esta obra nos refleja.

Vuelve a la Cuarta Pared esta magnífica obra de la compañía Micomicón, escrita y dirigida por Mariano Llorente, y con excepcionales interpretaciones de María Álvarez, Carlos Jiménez-Alfaro, Clara Cabrera y Javier Díaz, que dan vida a un grupo de personas que ejemplifican lo que significa ser víctima y ser victimario, lo que significa el arrepentimiento y la dificultad del perdón y del olvido. Una mujer octogenaria acepta tener una entrevista con el preso de ETA arrepentido que mató su hijo. Durante la conversación, que alterna la serenidad, los flashbacks, e incluso el buen humor con una tensión y un dolor a veces difíciles de soportar, se van desgranando muchos de los temas esenciales de estos años en que la banda terrorista ocasionó más de ochocientos muertos rompiendo miles de familias. Pero también durante este diálogo, plagado de silencios y preguntas sin respuesta, la mirada se va a ir hacia la represión franquista, que arrebató la vida del padre de la anciana ochenta años antes y provocó una dictadura de casi cuarenta años que dejó más de cien mil desaparecidos por todo el país.

Poder asistir a un montaje de una obra de Edward Albee es siempre garantía de buen teatro. Juan Carlos Rubio está detrás de la dirección de una pieza protagonizada por Fernando Tejero, Dani Muriel y Ana Labordeta, que combina la clásica obra corta de 'Albee The zoo story', de 1959, con su precuela, 'Homelife'. Juntos, estos textos cortos forman la historia completa de Peter, un ejecutivo editorial, de Ana, su esposa, y de Jerry, un extraño que Peter conoce en el parque. Lo que se pone en escena en principio es la vida cotidiana de Peter y Ann que, a pesar de ser pareja, está marcada por la incomunicación y la soledad. Rehuyendo el intento de Ann por afrontar la situación, tan típico de los hombres, Peter decide pasar el día en el zoológico de Central Park. Allí conocerá a Jerry, ese excéntrico personaje que le obliga a escuchar sus historias hasta la última y más espeluznante de todas: el motivo real de su visita al zoo. Porque en esa especie de cara b de Sherezade, Jerry profundiza tanto en la vida de Peter que acabará por intentar usurpar su propio lugar en ese banco, en ese parque… en esa vida.

Lucía Carballal se supera, como dramaturga y como directora, con cada nuevo montaje. Lo del año pasado con 'La fortaleza' fue impresionante, un 'obrón' que seguro es capaz de superar con 'Los nuestros', para la que cuenta en escena con Miki Esparbé y Manuela Paso. 'Los nuestros' parte de la muerte de Dinorah y de la reunión de los "suyos" para cumplir con el Abelut, el duelo judío en el que los familiares más cercanos de la persona fallecida se apartan del mundo durante siete días. Siete días en los que han de convivir para procesar juntos el duelo. La obra irá descubriendo o cuestionando lo que tienen en común esas personas unidas por un relato pasado, ahora deslavazado. "Desde hace mucho -dice la propia Lucía Carballal- todo se mira desde el prisma de la individualidad. Las ideas nuevas y vibrantes, en todos los ámbitos, son aquellas que potencian lo particular del yo, el rasgo identitario propio y diferencial. Así que la tesis de que, en general, a todos nos pasan las mismas cosas tiene un aire algo pasado de moda. Tan pasado de moda como muchas tradiciones que mantenían cohesionada a la comunidad".

Ojo a esto: Toni Servillo solo en escena, en una producción del Piccolo Teatro de Milán, abordando tres maneras para no morir a partir de los clásicos griegos, de Dante y de Baudelaire, aglutinados con la dramaturgia de Giuseppe Montesano, que ha escrito este texto específicamente para el carismático actor italiano, inolvidable por ejemplo como protagonista de 'La gran belleza', la peli de Sorrentino. De lo que se trata es de enseñarnos el arte de encontrarnos con la vida, de amarla por encima de la depresión y la injusticia. El montaje es un antídoto contra la parálisis del pensamiento y la no-vida, y nos invita a encontrar las palabras que nutren nuestra interioridad y nos ayudan a vivir plenamente. En una sola lectura se entrelazan las piezas Monsieur Baudelaire, quando finirà la notte?, donde la belleza lucha contra el abatimiento vital; Le voci di Dante, que transforma la poesía en novela y salvación; e Il fuoco sapiente, que nos ilustra sobre cómo la poesía y la filosofía griegas pueden encender una visión capaz de imaginar el futuro. En una era de inquietud, empobrecimiento y miedo, este espectáculo nos recuerda que lo que más falta hace es el amor.

Escrita durante un vuelo entre Berlín y Los Ángeles y estrenada en 1971, 'Las amargas lágrimas de Petra Von Kant' pertenece al periodo más brillante de Rainer Werner Fassbinder. Al año siguiente, la obra teatral se convirtió en película, y es sin duda uno de los hitos en la carrera del creador alemán, elogiada unánimemente por la crítica internacional por su retrato estilizado del des-amor romántico en un universo puramente femenino. Rakel Camacho, tras estrenar a Carmen Martín Gaite en La Abadía ('El cuarto de atrás'), salta a Fassbinder con la dirección de este montaje en el que cuenta con un reparto encabezado por Aura Garrido, Celia Freijeiro y Ana Torrent. Para quien no esté familiarizado con la historia, contaremos que Petra von Kant, una exitosa diseñadora que acaba de separarse de su segundo marido, vive con su secretaria Marlene, ayudante y casi esclava. Cuando una de sus mejores amigas le presenta a Karin, una joven oportunista de orígenes humildes, Petra se enamora perdidamente de ella y promete convertirla en una modelo internacional. Las dos mujeres comienzan entonces una tormentosa relación.

Dos actrices españolas venidas a menos comparten camerino en un teatro de Miami. La una con maneras de diva, la otra una superviviente con ínfulas. Así arranca 'Estrelladas', la nueva comedia de Antonia Moreno, que está llamada a ser una de las fábricas de carcajadas más productivas de este verano en Madrid. Charlamos con sus directoras y protagonistas, Ana Belén Beas y Goizalde Núñez, antes de que desembarquen en el Teatro Lara para estrenar en España una obra que ya se ha visto, precisamente, en Miami. Vienes de hacer esta obra, Ana Belén, en Miami, en aquel caso sin Goizalde, y la obra transcurre en un teatro de Miami. Supongo que ficción y realidad no se parecen, pero ¿qué relación tienes con Miami?Ana Belén Beas: En realidad nada, pero últimamente hemos estado unos meses allí tanto por nuestro trabajo con la productora El Tío Caracoles, que estamos empezando a hacer producciones allí, como yo particularmente que tras hacer la premiere de 'Estrelladas' estuve como actriz en 'El inconveniente', una obra de Juan Carlos Rubio. Es verdad que la autora, Antonia Moreno, sitúa la acción en Miami, pero podría situarse en cualquier lado, lo importante es que sea un lugar lejano, distante y ajeno al origen de las protagonistas. Cuando uno está lejos, al estar más solo y lejos de sus afectos, todo se magnifica. Y eso es lo que les pasa a estas dos actrices, que están muy venidas a menos, que nadie las llama para trabajar, y en el peor momento de sus carreras, si es que alguna vez ha

Las Naves del Español en Matadero han acogido el estreno de '14.4', una obra escrita por Juan Diego Botto, dirigida por Sergio Peris-Mencheta y protagonizada por Ahmed Younoussi, un actor de origen marroquí que cuenta su propia vida, en primera persona. Él llegó a España escondido en un camión cuando solo tenía 9 años, después de estar viviendo en las calles de Tánger desde los 6 años y soñar con cruzar el Estrecho de Gibraltar, esos 14.4 kilómetros que dan título a la función. Lo intentó hasta 7 veces, y a la octava fue la vencida. El destino quiso que Peris-Mencheta y Ahmed se encontraran en un rodaje y ahí se selló un compromiso: algún día contarían su historia en un escenario. Una historia muy dura pero que ha podido ser contada desde un lugar amable y con mucho sentido del humor gracias al trabajo conjunto entre Ahmed y Botto, y con la dirección de Peris-Mencheta, que atraviesa también un momento delicado en su vida desde que le fue diagnosticada una leucemia, aunque esta obra, que dirigió a distancia mientras estaba ingresado en un hospital de Los Ángeles, ha sido un soplo de energía y fuerza para seguir luchando contra la enfermedad. Y es así como la obra se convierte a su vez en un acicate para humanizar lo que se ha deshumanizado y un antídoto contra el racismo. Como lo hacía Lorca en 'Una noche sin luna', tu obra anterior, también Ahmed nos pone delante un espejo, también su historia nos cuenta como comunidad, como ciudadanía. ¿Cuál es para ti lo fundamental de ese