Beatriz Martínez

Juan Solanas compone un emocionante alegato político sobre la legalización del aborto en Argentina que toma el pulso de la actualidad desde 2018, cuando se planteó un proyecto de ley que finalmente fue rechazado, lo que generó todo un movimiento social de reivindicación por los derechos de las mujeres. Se trata de un documental que aborda la situación desde todos los puntos de vista, desde los grupos pro-vida, a las discusiones en el Senado por parte de los políticos que defienden sus posturas, hasta las víctimas de abortos clandestinos, las que han sobrevivido para contarlo y el recuerdo de los familiares a las que fallecieron en el intento a causa de condiciones de sanidad lamentables que hielan la sangre. El director alterna las entrevistas y las imágenes de calle con miles de manifestantes con eslóganes que sirven para potenciar el efecto de concienciación social que pretende trasmitir, de forma tan didáctica como inevitablemente potente por la dimensión que alcanza, este documento que se configura como parte fundamental de nuestra historia reciente en la lucha feminista.    

Juan Solanas compon un emocionant al·legat polític sobre la legalització de l'avortament a l'Argentina que pren el pols de l'actualitat des 2018, quan es va plantejar un projecte de llei que finalment va ser rebutjat, i que va generar tot un moviment social de reivindicació pels drets de les dones. Es tracta d'un documental que aborda la situació des de tots els punts de vista, des dels grups pro-vida, a les discussions al Senat per part dels polítics que defensen les seves postures, fins a les víctimes d'avortaments clandestins, les que han sobreviscut per explicar-ho i el record dels familiars a les que van morir en l'intent a causa de condicions de sanitat lamentables que gelen la sang. El director alterna les entrevistes i les imatges de carrer, amb milers de manifestants amb eslògans, que serveixen per potenciar l'efecte de conscienciació social que es pretén transmetre, de forma tan didàctica com inevitablement potent per la dimensió que aconsegueix, aquest document que es configura com a part fonamental de la nostra història recent en la lluita feminista.  

Parece que el tándem formado por Olivier Nakache y Éric Toledano sabe cuáles son las teclas que tiene que tocar para lograr el éxito. Hicieron que su película 'Intocable' se convirtiera en un fenómeno de taquilla y podría ser que ocurriera algo parecido con 'Especiales'. Vuelven a explorar el terreno de la comedia social para crear conciencia a través de la manipulación emocional. Podríamos considerarla como el 'Campeones' francés, aunque en este caso el humor no sea un elemento fundamental. A través de un mecanismo que tiene la voluntad de documentar una realidad a través de la ficción, penetramos en el día a día de dos asociaciones que trabajan para ayudar a jóvenes con problemas de autismo. Los directores no escatiman en subrayados narrativos y autoindulgencia sentimental, pero quizás hablemos de uno de sus mejores trabajos, de los más equilibrados e interesantes a la hora de tratar un tema complicado con respeto y sensibilidad.

Sembla que el tàndem format per Olivier Nakache i Éric Toledano sap quines són les tecles que ha de tocar per aconseguir l’èxit. Van fer que la seva pel·lícula 'Intocable' es convertís en un fenomen de taquilla i podria ser que passés una cosa semblant amb 'Especials'. Tornen a explorar el terreny de la comèdia social per crear consciència a través de la manipulació emocional. Podríem considerar-la com el 'Campeones' francès, encara que en aquest cas l’humor no és l’element fonamental. A través d’un mecanisme que té la voluntat de documentar una realitat a través de la ficció, ens endinsem en el dia a dia de dues associacions que treballen per ajudar els joves amb problemes d’autisme. Els directors no escatimen en subratllats narratius i autoindulgència sentimental, però potser es tracta d’un dels seus millors treballs, dels més equilibrats i els més interessants a l’hora de tractar un tema complicat amb respecte i sensibilitat.

En los últimos tiempos hemos visto muchas películas asociadas al baile (como 'Ema', de Pablo Larraín) que han servido para introducir el elemento liberador a través del ritmo y de la expresión corporal. Sin embargo, en esta ocasión, la danza folclórica, asociada a las raíces y la identidad de un país, se convierte en un motor represor para el joven protagonista de la película, que intenta en vano utilizar este sistema tan rígido para romper con la tradición y cuestionar los estigmas y los tabús. Director sueco de origen georgiano, Levan Akin firma una potente parábola sobre la juventud oprimida, sometida por el patriarcado y los valores religiosos, utilizando el choque entre la masculinidad y la feminidad en el entorno de una escuela de ballet donde la exigencia acaba resultando castradora. 'Solo nos queda bailar' es más que una película sobre el descubrimiento de la homosexualidad. Es un canto a la libertad que se enfrenta a la intolerancia, escrito desde una perspectiva original a través de coreografías que te dejan a cuadros.

En els últims temps hem vist moltes pel·lícules associades al ball (com 'Ema', de Pablo Larraín) que han servit per introduir l’element alliberador a través del ritme i de l’expressió corporal. No obstant això, en aquesta ocasió, la dansa folklòrica, associada a les arrels i la identitat d’un país, es converteix en un motor repressor per al jove protagonista de la pel·lícula, que intenta en va utilitzar aquest sistema tan rígid per trencar amb la tradició i qüestionar-ne els estigmes i els tabús. Director suec d’origen georgià, Levan Akin firma una potent paràbola sobre la joventut oprimida, sotmesa pel patriarcat i els valors religiosos, utilitzant el xoc entre la masculinitat i la feminitat en l’entorn d’una escola de ballet on l’exigència acaba resultant castradora. Solo nos queda bailar és més que una pel·lícula sobre el descobriment de l’homosexualitat. És un cant a la llibertat que s’encara a la intolerància, escrit des d’una perspectiva original a través de coreografies que et deixen de pasta de moniato.

Después de hacer 'Los últimos de Filipinas', Salvador Calvo se adentra en un proyecto más personal sobre el drama de la inmigración en un presente marcado por las barreras tanto metafóricas como físicas. 'Adú' se estructura a través de tres historias que avanzan de manera independiente y paralela, y que en algún punto se entrecruzan. En primer lugar, la de unos policías de fronteras que se enfrentan a un dilema moral. En segundo lugar, un padre que intenta reconducir los malos hábitos de su hija en un viaje a África que pone de manifiesto la profunda brecha que existe entre la pobreza y los problemas del primer mundo. En tercer lugar, la de unos niños desamparados que salen de su pueblo e inician un periplo lleno de peligros para llegar a España, que empieza cuando se meten dentro de la bodega de un avión. Sin duda es este último capítulo lo que constituye el corazón de una película que explora con sensibilidad y capacidad crítica diferentes frentes, en especial la desprotección de la infancia. En algunos momentos, el director parece sentir cierta tentación de introducir un elemento enfático. Un error y una lástima, ya que todos los elementos que integran el film son suficientemente potentes para crear una emoción auténtica.

Després de fer 'Los últimos de Filipinas', Salvador Calvo s’endinsa en un projecte més personal sobre el drama de la immigració en un present marcat per les barreres tant metafòriques com físiques. 'Adú' s’estructura a través de tres històries que avancen de manera independent i paral·lela, i que en algun punt s’entrecreuen. En primer lloc, la d’uns policies de fronteres que s’enfronten a un dilema moral. En segon lloc, un pare que intenta reconduir els mals hàbits de la seva filla en un viatge a l’Àfrica que posa de manifest la profunda bretxa que hi ha entre la pobresa i els problemes del primer món. En tercer lloc, la d’uns nens desemparats que surten del seu poble i inicien un periple ple de perills per arribar a Espanya, que comença quan es fiquen dins de la bodega d’un avió. Sens dubte és aquest últim capítol el que constitueix el cor d’una pel·lícula que explora amb sensibilitat i capacitat crítica diferents fronts, en especial la desprotecció de la infància. En alguns moments, el director sembla sentir certa temptació d'introduir un element emfàtic. Un error i una llàstima, atès que tots els elements que integren el film són suficientment potents per crear una emoció autèntica.

El terror ha sido, durante décadas, uno de los géneros con más audacia del cine español. De él han salido propuestas narrativas y formales de una gran personalidad. Pero lo que vemos en 'Malasaña 32' está muy lejos de una mirada autoral. Más bien se trata de la apropiación de un montón de ideas ajenas que configuran un producto hecho con escuadra y cartabón. La película no hace más que reproducir una fórmula capaz de ser digerida de manera rápida y poco exigente. Años 70. Una familia viene de un pueblo a probar suerte en Madrid, invirtiendo los ahorros y las esperanzas en una casa que se convertirá en su peor pesadilla. Seguramente lo más interesante de 'Malasaña 32' es la descripción de una atmósfera aún gobernada por el miedo y el oscurantismo de la dictadura, pero en vez de aprovechar este discurso para la creación de monstruos, el mensaje se vuelve profundamente reaccionario y ultraconservador: la moral católica pesa como una losa que condena el pecado y la diferencia.

La ópera prima de la cineasta Belén Funes parte de un cortometraje previo, 'Sara a la fuga', que giraba alrededor de una adolescente que vivía en un centro de acogida y que no veía a su padre desde hacía años. En 'La hija de un ladrón', Sara se ha hecho mayor y es una joven que acaba de tener un bebé. Pero sigue sola. Tiene que hacerse cargo del hermano, protegerlo de la mala influencia del padre, que acaba de salir de la cárcel. Tiene que trabajar y tiene que batallar con todos los problemas económicos sin ayuda. La vida transcurre en el presente, en el aquí y ahora. No tiene tiempo ni de llorar. La cámara de Belén Funes la sigue en un periplo diario incansable. A través de la actividad constante de Sara nos introducimos en un pequeño microcosmos (un barrio de la periferia de Barcelona) y en los problemas de fondo que azotan un entorno castigado por la falta de oportunidades laborales, la hostilidad y la falta de raíces. 'La hija de un ladrón' es una radiografía social tan precisa y dolorosa como honesta. Y, además, se sustenta sobre la configuración de un retrato femenino muy potente, encarnado por una magnífica Greta Fernández, capaz de demostrar una fortaleza durante toda la película tras la que esconde una fragilidad insondable que se materializa en un último plano, repleto de sentido.

L'òpera prima de la cineasta Belén Funes parteix d’un curtmetratge previ, 'Sara a la fuga', que girava al voltant d’una adolescent que vivia en un centre d’acollida i que no veia el seu pare des de feia anys. A 'La hija de un ladrón', la Sara s’ha fet gran i és una jove que acaba de tenir una criatura. Però segueix sola. Ha de fer-se càrrec del germà, de protegir-lo de la mala influència del pare, que acaba de sortir de la presó. Ha de treballar i ha de batallar amb tots els problemes econòmics sense ajuda. La vida transcorre en el present, en l’ara i aquí. No té temps ni de plorar. La càmera de Belén Funes la segueix en un periple diari incansable. A través de l’activitat constant de la Sara ens introduïm en un petit microcosmos (un barri de la perifèria de Barcelona) i en els problemes de fons que assoten un entorn castigat per la manca d’oportunitats laborals, l’hostilitat i la falta d’arrels. 'La hija de un ladrón' és una radiografia social tan precisa i dolorosa com honesta. I, a més, se sustenta sobre la configuració d’un retrat femení molt potent, encarnat per una magnífica Greta Fernández, capaç de demostrar una fortalesa durant tota la pel·lícula rere la qual amaga una fragilitat insondable que es materialitza en un últim pla replet de sentit.

Después de un par de películas fallidas en Estados Unidos y de pasar por algunas series de prestigio como 'Penny dreadful', Paco Cabezas vuelve a su Sevilla natal para contar una historia de venganza en los barrios marginales de la ciudad. Inspirada en hechos reales, la película nos muestra el enfrentamiento entre clanes mafiosos a partir de la muerte de una niña. Ambientes degradados, corrupción policial y violencia en la calle. Pero no hay verdadera suciedad ni rabia en el relato. El director apuesta por una glamurización del género kinki y sus decisiones a la hora de rodar la película resultan tan confusas como equivocadas. No hay una coherencia ni formal ni narrativa, todo pasa porque sí y el resultado se contamina de esta falta de firmeza y autoría detrás de la cámara. Queda un producto farragoso, anárquico y caprichoso, que además hemos visto ya mil veces y mucho mejor. Mario Casas ofrece un correcto trabajo poniéndose en la piel de un padre dispuesto a aplicar el ojo por ojo, así como Natalia de Molina, que hace de una madre rota por el dolor.